Por una senda oscura y solitaria: literatura, cine y arte de horror #12, una columna de Ernesto Moreno

Junto con la alarmante noticia del Grupo Intergubernamental de Expertos Sobre el Cambio Climático de la Organización de las Naciones Unidas, de que la temperatura del planeta está subiendo de una manera que no tiene precedentes, nos llega una propuesta fílmica de lo que llamaremos “horror ecológico” desde Sudáfrica.

La película Gaia está dirigida y producida por Jaco Bouwer, con guión de Tertius Kapp y las actuaciones de Monique Rockman, Carel Nel, Alex Van Dyk y Anthony Oseyemi. Tuvo su presentación en este año, en el “South by Southwest”, que es uno de los festivales de cine menores que se lleva a cabo en Texas, recibiendo buena críticas.

La historia nos relata las aventuras que Gabi y Winston -dos guardias forestales en las selvas de Sudáfrica- viven cuando al adentrarse en la jungla, uno de sus drones se pierde misteriosamente. Winston caerá en una trampa y será invadido por lo que parecen ser una especie de hongos que poco a poco, lo van convirtiendo en una parte más de la selva. Por su parte, Gabi caerá en las manos de dos hombres blancos, padre e hijo (Barend y Stefan), que viven como hombres de la jungla.

Al parecer, esas regiones alejadas y agrestes están habitadas por esta familia, que durante el día, cazan, construyen trampas y le rezan a “algo” que habita en el tronco hueco de un vetusto y extraño árbol, y durante la noche se esconden de lo que merodea en la oscuridad. Gabi irá aprendiendo con ellos, que la selva es mucho más una extensa e insondable marea verde.

La curiosidad lleva a nuestra protagonista a buscar pistas que le ayuden a comprender lo que sucede, así descubre documentos científicos que refieren una extraña investigación sobre algunas especies de hongos que habitan en la selva. Al parecer el jefe de la familia fue un científico bastante importante, pero ahora es un fanático de la fuerza que domina la jungla, a la cual él le llama “Dios”.

Después de tener intensas alucinaciones y pesadillas relacionadas a la influencia que esta clase de fungi tiene en los seres humanos, Gabi logra platicar con Barend y Stefan, conociendo algunos de los secretos que guardan. Barend le compartirá una teoría enloquecida sobre la madre tierra, y como ahí habita una fuerza que es muy anterior a la humanidad y que seguramente estará ahí cuando ya no exista la civilización.

Gabi logra convencer a Stefan de que huya junto con ella, y ahí se desata una dinámica de desconfianza, de mentiras y violencia, que junto con los humanos infectados que atacan de noche, y la fuerza misteriosa de los hongos, construirá un coctel perfecto para el horror.

Una combinación entre esas películas sobre el terror selvático, como Green inferno, y las conocidísimas italianas sobre canibalismo en el amazonas, y una filosofía ambientalista, más parecida a Avatar, nos entrega esta pieza de horror que intenta llamar la atención ante la devastación que la humanidad está provocando en el planeta. A fin de cuentas, el cambio climático es real, y los horrores que están ocurriendo también. Según la Organización de las Naciones Unidas, en los próximos veinte a treinta años, el daño por las emisiones tanto de fábricas como de transportes, será irreversible.

El “horror ecológico” no es nuevo, pero tal vez sea tiempo de que comencemos a tomar conciencia de nuestro entorno, para que no tengamos después que lamentarnos. Me parece que este tipo de películas son una propuesta muy actual, ya que a fin de cuentas, los monstruos son una metáfora de nosotros mismos.

Citas:

• Ilustraciones: Poster de la película y fotogramas propios.
• Informe sobre el cambio climático en : https://www.ipcc.ch/languages-2/spanish/
• Gaia: https://www.imdb.com/title/tt11881160/

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Ojos abiertos #19, una columna de María del Rosario Acevedo Carrasco

El cine de terror tiene una historia ten amplia que sería imposible de cubrir en un par de párrafos. Desde su inicio y hasta la actualidad, apoyado por los avances en la industria cinematográfica e impulsado por los contextos históricos, ha logrado convertirse en un género que nunca deja de estar vigente. Si bien siempre ha habido representantes dignos, es innegable el auge que tuvo durante la década de los 80’s con la aparición de las películas slasher que terminaron convertidas en clásicos.

Directores como John Carpenter y Wes Craven revolucionaron la historia del cine y nos dieron a personajes que 40 años más tarde siguen siendo referentes del género y forman parte de la cultura popular. Hoy nos toca hablar sobre Wes Craven, el genio detrás de uno de los personajes más infames dentro del horror: Freddy Krueger.

Pesadilla en la calle del infierno tiene una premisa simple pero aterradora: Un asesino que ataca en los sueños. La primera película retrata a un grupo de jóvenes que empiezan a encontrarse con el asesino, Freddy Krueger, en sus sueños, pasando de pesadillas en apariencia inofensivas hasta aquellas que terminan siendo mortales. Nancy, la protagonista, pasa toda la película intentando encontrar una manera de derrotar a Freddy y finalmente parece lograrlo, aunque la última escena nos deja dudas sobre su verdadero destino.

La película inicial no solo marca una pauta para el desarrollo de las secuelas, la mayoría de ellas sin intervención de Wes Craven, sino que también nos presenta a Freddy como antagonista con un origen real y tangible, más allá de los elementos sobrenaturales que lo acompañan. A partir de esto, podemos entender que las películas siguen la misma línea: Freddy ataca a niños o adolescentes en sus sueños y algunos mueren, pero eventualmente encuentran una manera de derrotarlo para siempre hasta la siguiente película.

Vale la pena mencionar la tercera entrega de esta saga Los guerreros del sueño, en la que Wes Craven volvió para dirigir. En esta volvemos a ver a Nancy, ahora adulta y profesionista, que regresa para ayudar a un grupo de adolescentes que están internados en una institución, todos víctimas de Freddy en sus sueños. Si bien la protagonista no es Nancy, esta película es un guiño a la historia original y nos adentra aún más al personaje de Freddy, a su origen antes de convertirse en el monstruo que fue en vida.

En las siguientes películas se retoma el concepto de “transferir el poder de luchar contra Freddy” que comenzó con Nancy, creando conexiones entre una secuela y otra para poder dar continuidad a la historia más allá del antagonista. Tres películas más tarde, la saga de Pesadilla en la calle del infierno llegó a su fin. Diez años después del estreno original, Wes Craven dirigió La nueva pesadilla de Wes Craven cuyo argumento era que Freddy perseguía a Heather Lagenkamp, la actriz que interpretó a Nancy, teniendo contacto, pero nunca rompiendo la cuarta pared.

Mucho se puede hablar sobre esta saga que nos dio a uno de los personajes más representativos del género, es por ello por lo que quizá la mejor forma de abordarla sea directamente desde Freddy, la verdadera esencia de la historia. El sueño es uno de los momentos de mayor vulnerabilidad, pero también donde más seguros nos sentimos; las pesadillas son algo tan temido precisamente porque representan una invasión al espacio que creemos seguro, casi sagrado. Un ser capaz de irrumpir en el sueño y hacer daño en la realidad a través de él es algo inimaginable, si no te puedes refugiar en tus sueños ¿dónde lo harás?

Y un ser capaz de tales actos debe tener un origen igual de aterrador, en este caso el de asesinar niños. Pero claro, el mal no surge sin explicación, de ahí que la concepción de Freddy involucrara abuso que desencadenó un embarazo prohibido y la condena a una existencia plagada de juicios y rechazo hasta el momento de su muerte, acontecida de una manera sumamente violenta.

Freddy es sin duda un reflejo de miedos profundos que no se limitaron a su tiempo, siguen tan arraigados que aún hoy, después de tantos años, teniendo efectos especiales e historias nuevas que se desarrollan en nuestro contexto, seguimos temiendo encontrarnos un suéter de rayas rojas y verdes en nuestro sueños.  

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Ojos abiertos #17, una columna de María del Rosario Acevedo Carrasco

El cine de terror ha evolucionado a lo largo de los años, pues si bien el miedo es atemporal, las maneras de causarlo no lo son, cambian a la par de la sociedad y de los individuos en ella. Las películas que hace solo unas décadas provocaban terror, seguramente hoy nos darían risa, los disfraces de monstruo y los efectos especiales quedaron obsoletos. En un mundo donde la realidad es más atemorizante que la ficción y a los verdaderos monstruos los vemos en los noticieros, los creadores de esta clase de contenidos han tenido que buscar alternativas y una de ellas, bastante efectiva, es el terror psicológico.

Es complejo intentar definir este subgénero del terror, pues no recurre a mostrar gráficamente los arquetipos clásicos que en teoría deberían funcionar, sino que a través de la subjetividad logra un ambiente de indefensión e incertidumbre que nos envuelve y logra un miedo mucho más profundo, proveniente solo de nuestra mente y no directamente del estímulo externo. Aunque es un subgénero relativamente reciente, existen varios exponentes tanto en el cine como en la literatura y es uno de ellos el tema de esta columna: Ari Aster.

Ari Aster es un director y guionista conocido por sus filmes Hereditary y Midsommar. Hereditary es un tema para otro día, hoy es turno de Midsommar, que no es solo una película digna de representar a su género, también refleja una realidad que a pesar de sentirse lejana está más cerca de lo que creemos: Los cultos.

La película comienza con una pintura que narra una historia y en realidad, si ponemos atención a esos segundos ya conocemos la trama. Comenzamos con la historia de Dani, una estudiante preocupada por un correo misterioso de su hermana, quien padece trastorno bipolar; en estos primeros minutos ya nos resulta evidente la vulnerabilidad emocional de la protagonista, que se ve empeorada por su novio Christian, y que se agudiza rápidamente cuando descubre que su hermana asesinó a sus padres y se suicidó.

Algunos meses después de perder a su familia, Dani se ve envuelta en un viaje a Suecia con Christian y sus amigos con el fin de visitar la comunidad de Pelle, uno de ellos, y ser partícipes de las festividades por el solsticio de verano. Los hongos alucinógenos y las peculiares costumbres de Harga hacen que el viaje se torne extraño rápidamente; pero una vez que se llega no hay salida, la obscuridad del festival va absorbiendo poco a poco a cada uno de los viajeros excepto a Dani, quien parece haber encontrado su hogar.

Aunque pensar en un culto en un bosque sueco pueda sonar lejano, vale la pena recordar que el arte es un reflejo de la realidad y esta historia, quizás adaptada a su propio medio, se repite infinitas veces porque aún hoy, en pleno siglo XXI, los cultos siguen existiendo y están más presentes que nunca. Midsommar es un coctel de circunstancias desafortunadas pero reales.

El primer punto y tal vez el más importante, es Dani. Desde el inicio es evidente que no está bien emocionalmente, lo que empeora drásticamente al perder a su familia y no sentir apoyo por parte de Christian, sino todo lo contrario. Esta vulnerabilidad la lleva a aceptar el viaje e involucrarse de lleno con la comunidad, pues son quienes la hacen sentir incluida y eventualmente, parte de la familia.

Pero no podemos responsabilizar a Dani por completo, pues de manera muy sutil los mismos habitantes de Harga fueron envolviéndola y contribuyendo a desestabilizarla aún más. Las sustancias psicotrópicas y el peculiar ciclo de luz-obscuridad puso no solo a la protagonista, sino a todos los involucrados en un estado constante de desorientación y cansancio. Eso, sumado a las acciones directas del culto y a su propio egoísmo, llevaron al desafortunado desenlace para todos, excepto para Dani.

Pero ¿por qué fue ella la del final feliz? ¿Ese era el objetivo desde el inicio? Si ponemos atención al papel tapiz que nos narra la película, podríamos pensar que sí, que siempre fue la intención y aunque los motivos no son claros, podemos especular que las circunstancias de Dani, su estado emocional y la necesidad constante de recuperar la familia que perdió, fueron los factores que determinaron su destino y la llevaron al punto de quiebre y redención simultánea con el que cierra la película.

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