Después de la pantalla #09, una columna de Diego Maenza

La denominada trilogía europea hace gala del adecuado uso de técnicas de cine experimental, con un halo onírico y simbólico, que permite a Lars von Trier explorar temas recurrentes como la historia y la identidad. Formada por los largometrajes El elemento del crimen, Epidemia y Europa, esta trilogía inicial del cineasta danés es una reflexión sobre la memoria europea en el siglo XX.

En esta tercera parte de la trilogía, de nombre homónimo a su conjunto (Europa), se narra la historia de Leopold Kessler, un joven que llega a Alemania en 1945 procedente de Estados Unidos para trabajar como acomodador de trenes durante la ocupación aliada en la posguerra. Leopold es contratado por un empresario estadounidense que trabaja en Alemania (en la compañía ferroviaria Zentropa) y que tiene planes secretos para manipular la reconstrucción del país. A medida que se involucra en la vida de la ciudad y se enamora de una mujer local, Leopold comienza a ser testigo de los remanentes del régimen nazi, así como de los intereses de los Aliados en la reconstrucción de la nación. Leopold se enamora de Katharina Hartmann, quien conlleva un oscuro secreto que poco a poco se irá develando. Leopold se verá atrapado en una red de conspiraciones políticas, incluyendo a un grupo terrorista que está intentando sabotear el plan de controlar la economía del país, y Kessler deberá elegir entre sus sentimientos por Katharina y la lealtad a su nación.

Kessler se presenta como un joven introvertido que se siente desorientado en el desconocido y hostil ambiente de la Alemania de posguerra. En una trama de notas kafkianas, Kessler se verá forzado a tomar decisiones morales difíciles, como traicionar a sus amigos o ser leal a sus jefes. Esto podría ser interpretado como un conflicto interno entre su necesidad de adaptarse a su entorno y su sentido de la moralidad, con comportamientos que pueden parecer contradictorios en algunos momentos, lo que pone de manifiesto su lucha interna para encontrar su identidad y su lugar con las nuevas reglas del juego. Leopold comienza como un joven idealista que pretende aportar su grano de arena en el levantamiento del nuevo país después de la Segunda Guerra Mundial. Encuentra una sociedad en crisis, en la que las estructuras políticas y sociales tradicionales se han derrumbado y se busca una nueva identidad nacional, todo esto en medio de una economía devastada, una comunidad dividida y una política en plena reconstrucción. En este contexto, la película muestra cómo las fuerzas de ocupación (representadas por el personaje americano interpretado por Eddie Constantine) tratan de moldear la sociedad alemana de acuerdo con sus propios intereses.

Al verse involucrado entre un conflicto de las fuerzas de ocupación y la resistencia germana, Kessler se ve forzado a elegir entre la lealtad a su país de origen y su compromiso con una causa política mayor. Kessler representa un conflicto entre el individualismo y la colectividad, debiendo asumir, ya lo hemos dicho, determinantes decisiones morales.

El doctor Erwin Röder es un antiguo miembro del Partido Nazi y padre de Katharina, el interés amoroso de Leopold. Röder es investigado por los Aliados por su papel en el régimen nazi. Él es interrogado por el personaje interpretado por Udo Kier, quien le pregunta sobre su participación en el uso de prisioneros de guerra como mano de obra esclava. Röder admite su culpabilidad y se muestra arrepentido, aduciendo que fue obligado a hacerlo. El personaje de Röder es importante porque representa la responsabilidad y la culpa colectiva en los crímenes de guerra impulsados por los líderes del nazismo.  Es evidente que Röder ha cometido actos terribles en el pasado y ha sido parte del régimen que ha causado tanto dolor y sufrimiento, y en un acto desesperado y existencial intentará reivindicarse. Lars von Trier explora la idea de que la responsabilidad y la culpa no son exclusivas de los líderes nazis, sino que se extienden a toda la sociedad alemana.

El uso del blanco y negro en Europa es un elemento importante del estilo visual de la película, que crea una atmósfera de sueño y pesadilla ajustada a su temática, otorgando un tono nostálgico y melancólico, así como una sensación de atemporalidad que ayuda a hacer que la historia sea más inquietante. También permite a von Trier experimentar con la iluminación y el contraste, con una gran cantidad de escenas en las que la luz y la sombra protagonizan una sensación de tensión y misterio. Se utiliza un contraste dramático entre la luz y la oscuridad para presentar un aire emocionalmente cargado, al tiempo que se superponen imágenes de color en ciertos momentos para crear una sensación onírica y surrealista, y explorar algunos algunos instantes psicológicos importantes y reveladores de los personajes.

Por aquellas calles que constituyen el devastado escenario en el que se mueve nuestro pálido protagonista, se pueden ver carros desvencijados como un símbolo de la otrora pujante industria automotriz germana, que había sido una de las más avanzadas del mundo, y ahora ha quedado devastada por la guerra. Al igual que las ruinas de las construcciones, reflejan el estado de ánimo general después de años de zozobra y sufrimiento, con la gente exhausta y desesperada. La falta de recursos y la difícil situación económica se reflejan en esos vehículos viejos y casi inmóviles. En términos de la dirección de arte de la película, los carros derruidos también ayudan a crear una sensación de realismo y autenticidad en la ambientación. Aquellos vehículos en mal estado también refuerzan la idea de la decadencia y la desesperanza que se siente en las calles. Las construcciones derribadas que aparecen de tanto en tanto son elementos importantes que contribuye a la neblina de desolación y decadencia que se respira en la cinta. Estaciones de trenes abandonadas, edificios destruidos, avenidas vacías y oscurecidas, y otros lugares que parecen haber sido olvidados por el mundo, se encargan de proyectar un entorno opresivo que contribuye a la sensación de que los personajes están atrapados en una situación desesperada e inescapable. Esta decadencia visual de los escenarios y locaciones, aunada al uso del blanco y negro en la película, logran enfatizar la sensación de desolación que se vive en la era de posguerra.

Al igual que en sus predecesoras, en Europa la hipnosis se presenta como una herramienta poderosa que se utiliza para propagar el misterio y la tensión en la película.

Aparece la resistencia alemana de una manera bastante sutil pero significativa. El grupo clandestino ha tratado de sabotear los planes de la empresa ferroviaria de Zentropa para que no puedan ayudar a reconstruir la economía después de la devastación. La resistencia se dibuja como un grupo valiente y decidido que lucha por la libertad contra la opresión nazi y extranjera. Aunque no se trate del tema central, su presencia en la trama agrega una dimensión más profunda a la historia y ofrece una visión única de cómo las personas comunes tratan de luchar contra la tiranía y la injusticia durante uno de los períodos más oscuros de la historia.

Europa es una obra compleja y enigmática que utiliza de manera acertada una variedad de técnicas cinematográficas innovadoras para crear una experiencia visual y emocionalmente impactante. Con el uso de imágenes en blanco y negro, efectos de iluminación, Trier plantea una visión hipnótica y surreal que hace que el espectador se sienta como si estuviera en un sueño. La película aborda temas importantes y universales como el amor, la traición, la culpa y la redención, y lo hace a través de una trama intrigante que se desarrolla en la Alemania de posguerra. Los personajes están bien desarrollados y ofrecen actuaciones convincentes, especialmente la de Jean-Marc Barr como Leopold Kessler y Max von Sydow como el poderoso señor de la compañía ferroviaria Zentropa. La película hace uso de un montaje innovador tanto en los instantes de color como en su permanente monocromía, creando una sensación de dislocación y extrañamiento que se suma a la atmósfera enigmática de la película.

Europa se yergue como una obra desafiante que demuestra el talento creativo de Las von Trier como director y su habilidad para crear experiencias cinematográficas emocionalmente poderosas e intelectualmente estimulantes.

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Por una senda oscura y solitaria: literatura, cine y arte de horror #15, una columna de Ernesto Moreno

El género fantástico tiene una gran variedad de ramificaciones a través de la literatura, el cien y el arte, en donde la llamada “nueva carne” es tal vez, una de las vertientes más problemáticas, oscuras, maravillosas y provocativas. Nacida en los años ochenta, esta propuesta estética -si se le puede llamar así- nos propone el cuerpo como nuevo campo de batalla, configurándolo como un elemento a moldear, a transformar, a lacerar y a ser un vehículo, a través del cual se asoman una multitud de temas: la muerte, la evolución, la identidad, el género, el racismo, la tecnología y el futuro, la maldad, el asco, el sexo y muchos otros más.

David Cronenberg, el maestro de la “nueva carne” nos presenta su nuevo trabajo del 2022, Crimes of the future, competidora en el Festival de Cannes, una película difícil de clasificar, como toda obra de Cronenberg. Una apuesta inteligente, que nos desafía a imaginar un futuro muy distinto a los que nos imaginamos, en donde reina el control y la manipulación, como en toda sociedad humana, pero ahora dirigidas al proceso evolutivo del ser humano. Una realidad en donde la biología se ha acelerado y cada vez más individuos están produciendo nuevos órganos dentro de sus cuerpos.

Saul Tenser (Viggo Mortensen), quien padece como muchos, el “Síndrome de Evolución Acelerada” es un artista del “performance”, que junto a su pareja Caprice “Lea Seydoux) se dedican a presentar un arte que consiste en mostrar al mundo la extirpación de los nuevos órganos que el cuerpo de Saul produce sin respiro. El dolor al parecer como lo conocemos hoy en día ha desaparecido en ese futuro incierto, en donde “la cirugía es el nuevo sexo” sin embargo, la constante lucha contra su cuerpo ha vuelto a Saul un hombre que sufre, y que con ayuda de extraña maquinaria (una cama orgánica y una silla bizarra: modelos ambas, de la visión originalísima que de la tecnología tiene nuestro cineasta canadiense) logra llevar su vida adelante.

Wippet (Don McKellar) y Timlin (Kristen Stewart) son burócratas de una rama aún inexistente del gobierno; el Registro Nacional de Órganos, que es más bien una fachada para esconder la estructura de poder que intenta controlar la acelerada evolución en la población. Se interesan en Saul y comienzan a seguir de cerca su trabajo, ya que éste, al ser parte importante de la comunidad artística, tiene posibilidad de contactarse con una diversidad ingente de agentes sociales: incluso con rebeldes.

La trama es muy interesante y el panorama bizarro, los mundos de Cronenberg son por excelencia transgresores, y como todo buen elemento que se ufane de ser arte, nos coloca en la desazón, en una incertidumbre, nos pone en crisis: nos saca de la zona de confort para aventarnos a la cara un tema polémico: ¿debemos controlar la evolución? ¿debemos dejar libres los cauces de la adaptación?

Los efectos especiales son maravillosos, los diálogos y la fotografía geniales y las actuaciones no se quedan atrás. Crimes of the future es una digna película que se colocará sin problemas en la selección que todo amante de la ciencia ficción, las distopías y la “nueva Carne” debe tener.

Recursos:

Fotogramas del cortometraje

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Ojos abiertos #17, una columna de María del Rosario Acevedo Carrasco

El cine de terror ha evolucionado a lo largo de los años, pues si bien el miedo es atemporal, las maneras de causarlo no lo son, cambian a la par de la sociedad y de los individuos en ella. Las películas que hace solo unas décadas provocaban terror, seguramente hoy nos darían risa, los disfraces de monstruo y los efectos especiales quedaron obsoletos. En un mundo donde la realidad es más atemorizante que la ficción y a los verdaderos monstruos los vemos en los noticieros, los creadores de esta clase de contenidos han tenido que buscar alternativas y una de ellas, bastante efectiva, es el terror psicológico.

Es complejo intentar definir este subgénero del terror, pues no recurre a mostrar gráficamente los arquetipos clásicos que en teoría deberían funcionar, sino que a través de la subjetividad logra un ambiente de indefensión e incertidumbre que nos envuelve y logra un miedo mucho más profundo, proveniente solo de nuestra mente y no directamente del estímulo externo. Aunque es un subgénero relativamente reciente, existen varios exponentes tanto en el cine como en la literatura y es uno de ellos el tema de esta columna: Ari Aster.

Ari Aster es un director y guionista conocido por sus filmes Hereditary y Midsommar. Hereditary es un tema para otro día, hoy es turno de Midsommar, que no es solo una película digna de representar a su género, también refleja una realidad que a pesar de sentirse lejana está más cerca de lo que creemos: Los cultos.

La película comienza con una pintura que narra una historia y en realidad, si ponemos atención a esos segundos ya conocemos la trama. Comenzamos con la historia de Dani, una estudiante preocupada por un correo misterioso de su hermana, quien padece trastorno bipolar; en estos primeros minutos ya nos resulta evidente la vulnerabilidad emocional de la protagonista, que se ve empeorada por su novio Christian, y que se agudiza rápidamente cuando descubre que su hermana asesinó a sus padres y se suicidó.

Algunos meses después de perder a su familia, Dani se ve envuelta en un viaje a Suecia con Christian y sus amigos con el fin de visitar la comunidad de Pelle, uno de ellos, y ser partícipes de las festividades por el solsticio de verano. Los hongos alucinógenos y las peculiares costumbres de Harga hacen que el viaje se torne extraño rápidamente; pero una vez que se llega no hay salida, la obscuridad del festival va absorbiendo poco a poco a cada uno de los viajeros excepto a Dani, quien parece haber encontrado su hogar.

Aunque pensar en un culto en un bosque sueco pueda sonar lejano, vale la pena recordar que el arte es un reflejo de la realidad y esta historia, quizás adaptada a su propio medio, se repite infinitas veces porque aún hoy, en pleno siglo XXI, los cultos siguen existiendo y están más presentes que nunca. Midsommar es un coctel de circunstancias desafortunadas pero reales.

El primer punto y tal vez el más importante, es Dani. Desde el inicio es evidente que no está bien emocionalmente, lo que empeora drásticamente al perder a su familia y no sentir apoyo por parte de Christian, sino todo lo contrario. Esta vulnerabilidad la lleva a aceptar el viaje e involucrarse de lleno con la comunidad, pues son quienes la hacen sentir incluida y eventualmente, parte de la familia.

Pero no podemos responsabilizar a Dani por completo, pues de manera muy sutil los mismos habitantes de Harga fueron envolviéndola y contribuyendo a desestabilizarla aún más. Las sustancias psicotrópicas y el peculiar ciclo de luz-obscuridad puso no solo a la protagonista, sino a todos los involucrados en un estado constante de desorientación y cansancio. Eso, sumado a las acciones directas del culto y a su propio egoísmo, llevaron al desafortunado desenlace para todos, excepto para Dani.

Pero ¿por qué fue ella la del final feliz? ¿Ese era el objetivo desde el inicio? Si ponemos atención al papel tapiz que nos narra la película, podríamos pensar que sí, que siempre fue la intención y aunque los motivos no son claros, podemos especular que las circunstancias de Dani, su estado emocional y la necesidad constante de recuperar la familia que perdió, fueron los factores que determinaron su destino y la llevaron al punto de quiebre y redención simultánea con el que cierra la película.

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