Después de la pantalla #09, una columna de Diego Maenza

La denominada trilogía europea hace gala del adecuado uso de técnicas de cine experimental, con un halo onírico y simbólico, que permite a Lars von Trier explorar temas recurrentes como la historia y la identidad. Formada por los largometrajes El elemento del crimen, Epidemia y Europa, esta trilogía inicial del cineasta danés es una reflexión sobre la memoria europea en el siglo XX.

En esta tercera parte de la trilogía, de nombre homónimo a su conjunto (Europa), se narra la historia de Leopold Kessler, un joven que llega a Alemania en 1945 procedente de Estados Unidos para trabajar como acomodador de trenes durante la ocupación aliada en la posguerra. Leopold es contratado por un empresario estadounidense que trabaja en Alemania (en la compañía ferroviaria Zentropa) y que tiene planes secretos para manipular la reconstrucción del país. A medida que se involucra en la vida de la ciudad y se enamora de una mujer local, Leopold comienza a ser testigo de los remanentes del régimen nazi, así como de los intereses de los Aliados en la reconstrucción de la nación. Leopold se enamora de Katharina Hartmann, quien conlleva un oscuro secreto que poco a poco se irá develando. Leopold se verá atrapado en una red de conspiraciones políticas, incluyendo a un grupo terrorista que está intentando sabotear el plan de controlar la economía del país, y Kessler deberá elegir entre sus sentimientos por Katharina y la lealtad a su nación.

Kessler se presenta como un joven introvertido que se siente desorientado en el desconocido y hostil ambiente de la Alemania de posguerra. En una trama de notas kafkianas, Kessler se verá forzado a tomar decisiones morales difíciles, como traicionar a sus amigos o ser leal a sus jefes. Esto podría ser interpretado como un conflicto interno entre su necesidad de adaptarse a su entorno y su sentido de la moralidad, con comportamientos que pueden parecer contradictorios en algunos momentos, lo que pone de manifiesto su lucha interna para encontrar su identidad y su lugar con las nuevas reglas del juego. Leopold comienza como un joven idealista que pretende aportar su grano de arena en el levantamiento del nuevo país después de la Segunda Guerra Mundial. Encuentra una sociedad en crisis, en la que las estructuras políticas y sociales tradicionales se han derrumbado y se busca una nueva identidad nacional, todo esto en medio de una economía devastada, una comunidad dividida y una política en plena reconstrucción. En este contexto, la película muestra cómo las fuerzas de ocupación (representadas por el personaje americano interpretado por Eddie Constantine) tratan de moldear la sociedad alemana de acuerdo con sus propios intereses.

Al verse involucrado entre un conflicto de las fuerzas de ocupación y la resistencia germana, Kessler se ve forzado a elegir entre la lealtad a su país de origen y su compromiso con una causa política mayor. Kessler representa un conflicto entre el individualismo y la colectividad, debiendo asumir, ya lo hemos dicho, determinantes decisiones morales.

El doctor Erwin Röder es un antiguo miembro del Partido Nazi y padre de Katharina, el interés amoroso de Leopold. Röder es investigado por los Aliados por su papel en el régimen nazi. Él es interrogado por el personaje interpretado por Udo Kier, quien le pregunta sobre su participación en el uso de prisioneros de guerra como mano de obra esclava. Röder admite su culpabilidad y se muestra arrepentido, aduciendo que fue obligado a hacerlo. El personaje de Röder es importante porque representa la responsabilidad y la culpa colectiva en los crímenes de guerra impulsados por los líderes del nazismo.  Es evidente que Röder ha cometido actos terribles en el pasado y ha sido parte del régimen que ha causado tanto dolor y sufrimiento, y en un acto desesperado y existencial intentará reivindicarse. Lars von Trier explora la idea de que la responsabilidad y la culpa no son exclusivas de los líderes nazis, sino que se extienden a toda la sociedad alemana.

El uso del blanco y negro en Europa es un elemento importante del estilo visual de la película, que crea una atmósfera de sueño y pesadilla ajustada a su temática, otorgando un tono nostálgico y melancólico, así como una sensación de atemporalidad que ayuda a hacer que la historia sea más inquietante. También permite a von Trier experimentar con la iluminación y el contraste, con una gran cantidad de escenas en las que la luz y la sombra protagonizan una sensación de tensión y misterio. Se utiliza un contraste dramático entre la luz y la oscuridad para presentar un aire emocionalmente cargado, al tiempo que se superponen imágenes de color en ciertos momentos para crear una sensación onírica y surrealista, y explorar algunos algunos instantes psicológicos importantes y reveladores de los personajes.

Por aquellas calles que constituyen el devastado escenario en el que se mueve nuestro pálido protagonista, se pueden ver carros desvencijados como un símbolo de la otrora pujante industria automotriz germana, que había sido una de las más avanzadas del mundo, y ahora ha quedado devastada por la guerra. Al igual que las ruinas de las construcciones, reflejan el estado de ánimo general después de años de zozobra y sufrimiento, con la gente exhausta y desesperada. La falta de recursos y la difícil situación económica se reflejan en esos vehículos viejos y casi inmóviles. En términos de la dirección de arte de la película, los carros derruidos también ayudan a crear una sensación de realismo y autenticidad en la ambientación. Aquellos vehículos en mal estado también refuerzan la idea de la decadencia y la desesperanza que se siente en las calles. Las construcciones derribadas que aparecen de tanto en tanto son elementos importantes que contribuye a la neblina de desolación y decadencia que se respira en la cinta. Estaciones de trenes abandonadas, edificios destruidos, avenidas vacías y oscurecidas, y otros lugares que parecen haber sido olvidados por el mundo, se encargan de proyectar un entorno opresivo que contribuye a la sensación de que los personajes están atrapados en una situación desesperada e inescapable. Esta decadencia visual de los escenarios y locaciones, aunada al uso del blanco y negro en la película, logran enfatizar la sensación de desolación que se vive en la era de posguerra.

Al igual que en sus predecesoras, en Europa la hipnosis se presenta como una herramienta poderosa que se utiliza para propagar el misterio y la tensión en la película.

Aparece la resistencia alemana de una manera bastante sutil pero significativa. El grupo clandestino ha tratado de sabotear los planes de la empresa ferroviaria de Zentropa para que no puedan ayudar a reconstruir la economía después de la devastación. La resistencia se dibuja como un grupo valiente y decidido que lucha por la libertad contra la opresión nazi y extranjera. Aunque no se trate del tema central, su presencia en la trama agrega una dimensión más profunda a la historia y ofrece una visión única de cómo las personas comunes tratan de luchar contra la tiranía y la injusticia durante uno de los períodos más oscuros de la historia.

Europa es una obra compleja y enigmática que utiliza de manera acertada una variedad de técnicas cinematográficas innovadoras para crear una experiencia visual y emocionalmente impactante. Con el uso de imágenes en blanco y negro, efectos de iluminación, Trier plantea una visión hipnótica y surreal que hace que el espectador se sienta como si estuviera en un sueño. La película aborda temas importantes y universales como el amor, la traición, la culpa y la redención, y lo hace a través de una trama intrigante que se desarrolla en la Alemania de posguerra. Los personajes están bien desarrollados y ofrecen actuaciones convincentes, especialmente la de Jean-Marc Barr como Leopold Kessler y Max von Sydow como el poderoso señor de la compañía ferroviaria Zentropa. La película hace uso de un montaje innovador tanto en los instantes de color como en su permanente monocromía, creando una sensación de dislocación y extrañamiento que se suma a la atmósfera enigmática de la película.

Europa se yergue como una obra desafiante que demuestra el talento creativo de Las von Trier como director y su habilidad para crear experiencias cinematográficas emocionalmente poderosas e intelectualmente estimulantes.

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Después de la pantalla #08, una columna de Diego Maenza

Lars von Trier y Niels Vørsel están escribiendo un guion sobre una enfermedad que se propaga por todo el mundo. La película presenta escenas intercaladas de Lars y Niels discutiendo la creación del libreto y trabajando en el proceso creativo. A medida que avanzamos en su desarrollo, las líneas entre la realidad y la ficción se vuelven borrosas, y los protagonistas reales se ven arrastrados cada vez más profundamente en su propio mundo de ficción.

Epidemia es la segunda parte de la denominada Trilogía europea, que junto a El elemento del crimen y Europa, enfatizan en la exploración de la identidad europea, la alienación y la decadencia moral.

Epidemia se distingue por su experimentación formal, ya que von Trier y Vørsel aparecen a menudo en la pantalla discutiendo el argumento y cuestionando su propia obra. La película utiliza técnicas de cine dentro del cine, mostrando a los personajes en el proceso de idear la cinta. Para tornarla más inusual, y a ratos inquietante, la película está rodada en blanco y negro, cuya monocromía subraya la atmósfera oscura y opresiva de la pandemia y sus consecuencias, acentuando la sensación de pesadumbre y desesperación que rodea a los personajes, constituyéndose en una elección estética que refleja su tono sombrío y pesimista, y que evoca un sentido de nostalgia y melancolía.

El director y guionista bordean la línea entre la realidad y la ficción. Se hace referencia a otros filmes y a diferentes técnicas cinematográficas. Al sentirse atascados en el desarrollo de su proyecto, los creadores deciden partir de viaje hacia Alemania en busca de inspiración (más bien en la búsqueda de una pasta dentífrica de una marca determinada con la que intentarán simular la secreción de las pústulas de la peste). Realizan una parada en Hamburgo, donde se encuentran a Udo Kier. La entrevista tiene un tono conmovedor, puesto que Kier, evocando un drama personal, hace mención a la Operación Gomorra, aquel bombardeo masivo durante la Segunda Guerra Mundial en el que se utilizó fósforo blanco como arma, ejecutado por las fuerzas aéreas de Estados Unidos y sus aliados.

La historia dentro de la historia se centra en el personaje del doctor Mesmer. Se presenta a manera de un cuento dentro del cuento, y que sirva la redundancia para remitirnos a Los cuentos de Canterbury, donde también la presencia de una plaga o enfermedad funciona como catalizador para la exploración de temas más profundos y universales. En Los cuentos de Canterbury, la peste es una de las causas que lleva a un grupo de peregrinos a reunirse y compartir historias mientras viajan juntos. La plaga es presentada como una amenaza que impone la necesidad de encontrar consuelo en la compañía y la distracción de los relatos.

El personaje del doctor Mesmer claramente está inspirado en Franz Anton Mesmer, un médico austriaco del siglo XVIII conocido por una práctica controvertida que implicaba la creencia en una energía invisible que conectaba todo en el universo y que podía ser manipulada para curar enfermedades, fundamentos conocidos como mesmerismo.

En la película, el doctor Mesmer es presentado como un hombre idealista (así es llamado por sus detractores) obsesionado con la pretensión de poder curar la epidemia que está azotando el mundo utilizando una técnica nada convencional. A pesar de las críticas y el escepticismo de sus colegas, Mesmer está convencido de que su método es la respuesta a todos los males.

En casi todas las historias de Lars von Trier se presentará a los idealistas como personajes problemáticos e incluso peligrosos que pese a sus buena intenciones lo único que consiguen es perpetuar y agravar el problema que han pretendido resolver. Así el aspirante a filósofo moral Tom Edison en Dogville, o la democrática Grace en Manderlay.

En el caso de Epidemia, el doctor Mesmer es señalado como un idealista que cree firmemente en sus métodos de curación, pero que al mismo tiempo es imprudente en su búsqueda de una cura para la epidemia. Sin saberlo, Mesmer es portador de la cepa de la enfermedad, y al salir a intentar curar de contagios a los pueblos cercanos, lo único que consigue Mesmer es propagar la dolencia.

La historia del doctor Mesmer en Epidemia se utiliza como una metáfora para replantear análisis sobre variados temas de la individualidad del ser humano y los diferentes predicamentos ante las contingencias, como (en determinados casos) la fragilidad de la bondad y la inutilidad de la perseverancia, pero también para explorar, así sea de manera sarcástica, los intersticios del poder.

Los doctores, en vista de la emergencia, aupados a una situación de privilegios y poder, se ven abocados a formar un gobierno integrado exclusivamente por galenos que se enfrentarán a la situación como respuesta desesperada a la crisis sanitaria. Como primer ministro estará un neurólogo, para finanzas un ginecólogo, como ministro de justicia un ortopedista, ministro del interior un cirujano, para ministro de transporte se elegirá a un urólogo, para agricultura y pesca a un psiquiatra, para educación a un anestesista, y para asuntos eclesiásticos a un patólogo; en una clara crítica a la burocracia y la política tradicional ya que se plantea como una sátira por medio de la caricaturización de los facultativos.

Me gustaría atreverme a realizar una comparación entre Epidemia y El séptimo sello de Ingmar Bergman. Se puede hacer en términos de la temática de la muerte y la lucha por el significado en un mundo caótico. En ambas películas, hay una sensación de desesperanza y falta de sentido, ya sea a través de la propagación de la peste en Epidemia o la presencia de la muerte en El séptimo sello. Sin embargo, mientras que El séptimo sello presenta un tono más serio y existencialista, Epidemia se enfoca en una crítica satírica a la industria cinematográfica y a la posición de los médicos en la sociedad. Mientras que en El séptimo sello la lucha por el significado se enfoca en cuestiones espirituales y religiosas, en Epidemia se presenta una lucha por la creación artística y su relevancia en la sociedad. Ambas películas, cada una a su manera, se sirven del recurso de la historia dentro de la historia, para ofrecer una reflexión metaficcional sobre la realidad y la representación. En El séptimo sello, la trama del actor y su compañía de teatro simboliza la lucha por el significado y la relevancia del arte en una sociedad en crisis. En Epidemia, la trama del doctor Mesmer y su búsqueda por curar la epidemia encarna la lucha por el entendimiento y la relevancia de la medicina y la ciencia en una sociedad en decadencia. Los elementos metafícticos se presentan como una especie de alegoría sobre la creación y el impacto de la ficción en la vida real.

En las tomas finales, se lleva a cabo una cena entre el cineasta, el guionista y un productor. Acabado el festín, es invitado un hipnotista y una acompañante. El hipnotista adormece a la mujer. En el estado de trance la induce a que se sienta parte protagónica de la historia forjada pro los creadores. Esta escena, en la que el hipnotista le pide a la dama que se sienta dentro de la película, es una de las más surrealistas y oníricas del film. El hipnotista induce a la mujer para que imagine que se encuentra recorriendo las calles asoladas por la peste, sumergiéndola completamente en el mundo ficticio que ellos han creado. Al intentar detener la sesión de hipnosis, la mujer empieza a experimentar una serie de delirios y alucinaciones que la llevan a creer que efectivamente, continúa viviendo dentro de la historia que se plantea en el guion. Una escena que juega con la idea de la creación artística y la capacidad del cine para persuadir y entremezclar la realidad con la ficción, y de cómo la línea entre la imaginación y veracidad se puede ir difuminando, y de cómo el proceso creativo puede tener un efecto profundo y perturbador en las mentes de quienes lo asimilamos. Y con ello Lars von Trier nos arrastra, impotentes e impávidos espectadores, al contagio de la ficción.

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Después de la pantalla #07, una columna de Diego Maenza

El detective Fisher ha regresado a Europa procedente de El Cairo para ayudar a resolver el caso del llamado asesino de la lotería, un sangriento criminal en serie que asola los alrededores de las ciudades derruidas de una Europa en decadencia.

Fisher, después de muchos años de estar fuera de servicio, se sumerge en la mente del homicida y comienza a utilizar técnicas poco convencionales, continuando las directrices que su mentor Osbourne ha consignado en una suerte de manual criminológico titulado El elemento del crimen, y siguiendo sus propios instintos y obsesiones. Cuando profundiza en el caso, Fisher comienza a perder su propia identidad y a confundir la realidad con sus elucubraciones. Lars von Trier utiliza elementos de la narrativa de cine negro para crear una atmósfera de tonos sepias y claustrofóbica.

Fisher, interpretado por Michael Elphick, se nos dibuja como un hombre solitario y atormentado por su pasado. A medida que la investigación avanza, Fisher comienza a obsesionarse con el caso, a perder su sentido de prudencia, y a sufrir una profunda crisis de identidad. Es un personaje complejo, que está lejos de ser el típico detective duro y astuto de las películas de cine negro, y por el contrario, se muestra como un hombre vulnerable que lucha contra sus propios demonios internos y que se siente cada vez más aislado del mundo que lo rodea. La actuación de Elphick logra transmitir con gran habilidad la complejidad emocional del personaje y su angustia interna.

Fisher tiene una obsesión con el asesino en serie que está persiguiendo, un bestial ejecutor cuyas víctimas son niñas y jóvenes vendedoras de billetes de lotería, y su enfoque en el caso comienza a afectar su vida personal y profesional. Al profundizar en la mente del asesino, el detective comienza a perder su propia identidad y proyecta sus propias inseguridades y temores al confundirse con el criminal, amenazando su propia cordura y estabilidad mental. Esta tensión dramática impulsa gran parte de la trama. Nuestro personaje parece tener un pasado de heridas que lo ha dejado emocionalmente vulnerable, y lo ha conducido a suprimir pensamientos y emociones aparentemente traumáticos. La obsesión de Fisher con el caso puede ser vista como una forma de evitar enfrentar su propio dolor y su pasado.

Los personajes que rodean al detective son en su mayoría marginales, incluyendo a las prostitutas y al personal de un burdel, así como a quienes pernoctan en la morgue. Se presentan como elementos atmosféricos más que como personajes plenamente desarrollados, lo que enfatiza la sensación de aislamiento y alienación que experimenta Fisher. La mayoría de estos personajes secundarios están desesperados, solitarios y en busca de una conexión humana, que los hace reflejar de alguna manera el estado emocional del personaje principal.

Un rito denominado la inmersión es ejecutado por un grupo misterioso que se dedica a realizar una terapia experimental en la que los pacientes deben sumergirse en sus propias obsesiones y traumas para superarlos. En la inmersión se utiliza técnicas poco convencionales, como la hipnosis y la proyección de imágenes, para llevar a los pacientes a un estado alterado de conciencia que les permite explorar su subconsciente. Los integrantes que practican la inmersión se presentan como miembros de una organización secreta y exclusiva.

No obstante, uno de los personajes secundarios más notables es el mentor de Fisher, el ex detective Osborne, quien aparece como una figura paterna para el detective más joven. Esta interacción podría ser vista como una exploración de la relación entre maestro y discípulo. Fisher sigue las enseñanzas de Osborne, pero también busca superarlo y convertirse en su propio maestro, lo que sugiere una lucha por la autonomía y la independencia en la búsqueda del significado.

El ambiente opresivo de la película se vincula con la atmósfera general de la misma, que es de pesimismo y desesperanza. La fotografía oscura y amarillenta ayuda a crear una sensación de claustrofobia y de opresión constante, que refleja la lucha interna de Fisher por entender y detener al asesino. La utilización de los tonos sepias también es una parte importante de la película, ya que enfatiza la naturaleza peligrosa y aterradora del entorno en el que se desarrolla la trama.

Como individuo, Fisher se encuentra en un estado de alienación y aislamiento. Este proceso de desconexión y pérdida de identidad puede ser interpretado como una consecuencia de la sociedad moderna, que puede dejar a los individuos sintiéndose aislados y desconectados. La lluvia constante que cae en la ciudad en la que transcurre la historia puede ser vista como una metáfora de esta sensación de alienación y desconexión.

La obsesión de Fisher con el caso y su separación de la realidad pueden ser interpretadas como un ejemplo de la condición humana, es decir, la idea de que los seres humanos están condenados a luchar con el significado y el propósito de su existencia. Fisher parece estar buscando un sentido en su trabajo y en la captura del asesino, pero su obsesión lo lleva a un lugar oscuro y aislado. Busca resolver el caso de asesinato no solo para atrapar al criminal, sino también para darle sentido a su vida y encontrar su propósito en el mundo. Su obsesión por la investigación se convierte en una búsqueda existencial, y su desesperación por encontrar al asesino refleja la necesidad humana de encontrar algo significativo en la vida.

Pese a que la presencia del asesino de la lotería permea por toda la película, en El elemento del crimen, no hay un antagonista claramente definido que se oponga directamente a Fisher, y el conflicto principal de la película es interno y se relaciona con la lucha de él para mantener su cordura mientras se adentra en la mente del asesino en serie que está persiguiendo. El escenario en el que transcurre la historia, una ficticia ciudad europea, industrial y oscura, funciona como un antagonista ambiental que contribuye a la sensación de alienación y aislamiento que experimenta Fisher.

El jefe de la policía, Kramer, interpretado por Udo Kier parece ser un personaje autoritario y controlador, pero a medida que la trama avanza se vuelve más colaborativo con Fisher. 

El elemento del crimen nos coloca ante una sociedad decadente, oscura y desolada. La película se presenta como una exploración profunda y desgarradora de la mente humana y del lado más siniestro de la sociedad, lo que se refleja tanto en la atmósfera angustiante  como en la fotografía cuidadosamente elaborada, por medio de las cuales Lars von Trier se adentra en temas como la obsesión y la búsqueda de una identidad en un mundo moderno cada vez más deshumanizado.

La entrada El crimen como elemento | Después de la pantalla #07 se publicó primero en Tríada Primate.