OXIB NOJ #13, una columna de Eleázar Adolfo Molina

¿Un sueño de libertad? El 2 de febrero se conmemora un aniversario más del “Acta de pronunciamiento de Quetzaltenango”, documento que daba vida al Estado de Los Altos.

La historia nacional de Guatemala tiene un gran velo de misterio, de preguntas sin respuestas y sobre todo de censura. Desde el mismo 15 de septiembre de 1821, pasando por la Federación Centroamericana, los gobiernos liberales, Estrada Cabrera y Ubico, la Revolución y Contra Revolución, añadiendo el conflicto armado interno y nuestro día a día.

1838 era un año convulso para la Federación Centroamericana, disputas de las clases dominantes para poder controlar todo, una guerra civil en el Estado de Guatemala que desangraba el oriente y el centro. Anarquía, debilidad. Gálvez contra Carrera. Carrera contra Morazán. 

En medio de este tornado de sucesos y sangre, un 2 de febrero de 1838, se enarbolaba la bandera de la libertad por parte de la elite que controlaba la ciudad de Quetzaltenango.

La ciudad en los primeros días estuvo sola ante esta aventura estatal. Fue hasta el 5 de febrero que las alcaldías de San Miguel Totonicapán y Sololá se unieron formalmente al Estado de Los Altos.

La villa de Suchitepéquez, que en la división geográfica de aquella época formaba parte del Departamento de Sololá se unió a la causa altense, al prometérseles convertirlos en departamento, situación que traería beneficio a Mazatenango, Cuyotenango y Retalhuleu.

Para Arturo Taracena Arriola, “Queda claro que la ciudad de Quetzaltenango fue la que se pronunció en favor de convertirse en Estado aparte del de Guatemala y que su propósito inicial consistió en convencer a los otros departamentos altenses (Totonicapán y Sololá, incluido en este el partido de Suchitepéquez) de seguir su ejemplo”.

Los primeros dos puntos de aquella acta mencionan: “1°. Los habitantes de esta ciudad, se segregan del Estado de Guatemala, hasta que el congreso federal decrete la formación de un Sexto Estado”.

Sin embargo al segregarse la ciudad quedaba indefensa, por lo que en el punto dos del acta reza que “Entretanto que esto se verifica, el pueblo se somete a la protección de las autoridades supremas federales de la Republica y será regido por un gobierno provisorio”.

El naciente Estado se ponía bajo la protección de Morazán que en aquel momento había negado apoyo a Gálvez para controlar a los montañeses, permitiendo el ascenso de Rafael Carrera, situación que lamentaría después.

El día 5 de febrero se forma un ejecutivo compuesto por cuatro miembros, Marcelo Molina Mata por Quetzaltenango, Félix Juárez por Sololá, Joaquín Mont Prats por Totonicapán y José Tomás Sacasa por Suchitepéquez.

Para el historiador altense Oscar Soto “la creación del Estado de Los Altos, fue un hecho histórico, político, económico y social dentro de la Federación Centroamericana; que pese a su importancia no se le ha dado un lugar dentro de los programas de estudio de nuestra educación nacional”.

Arturo Taracena Arriola menciona que la historia del Estado de Los Altos “es principalmente la historia de una élite, porque los promotores y actores de esa gesta histórica fueron en gran medida los miembros de las élites departamentales de la región de Los Altos, compuestas por una minoría de criollos y ladinos”.

El 2 de febrero se conmemora el pronunciamiento de una ciudad contra una anarquía y un sistema que no era acorde a sus deseos. El inicio de un sueño de libertad que intentó dos veces más levantarse.

No es correcto decir que Quetzaltenango fue un país. Quizás si los acontecimientos históricos que sucedieron después de aquella memorable fecha, hubiesen sido distintos, que aquel Estado de Los Altos se hubiese mantenido, hoy probablemente seriamos una nación de las que componen el istmo centroamericano. Fue un trámite administrativo, equivalente en nuestros días al que se realiza para la creación de un departamento.

Sin embargo la importancia de aquel acontecimiento histórico es incuestionable. Por primera vez se debatió la idea de suprimir el monopolio político, económico y administrativo que ha tenido la capital. Al no tener solución se opta por la creación de un nuevo Estado.

Ese acto de segregación, de tomar en manos propias los destinos de una región fue suficiente para que quedará una herencia en la psiquis de la sociedad altense. El orgullo viene desde se momento, de las batallas posteriores y de los martirios que se sufrieron por la causa del Estado de Los Altos.

Dicho sueño de libertad debe ir más allá en nuestros días y no quedarse a ser el nombre de una barra que cada semana apoya a nuestro equipo de futbol. Al ser la segunda ciudad del país, en la coyuntura en que vivimos hoy en día, le debemos el coraje de luchar por nuestros ideales, por mejorar nuestra ciudad a los altenses que enarbolaron las ideas de la libertad.

Nostálgicamente vemos como la ciudad sucumbe ante la indiferencia y el olvido, no solo de las autoridades en turno, también del quetzalteco. Desconocemos nuestra historia, somos indiferentes ante problemas que nos atañen a todos como sociedad.

Una muestra de gratitud al legado del Estado de Los Altos, debe ser retomar el liderazgo a nivel nacional, con líderes políticos, con artistas plásticos, músicos y poetas. Vivir realmente la cuna de la cultura y dejar de vivir en el pasado. Independizarnos de toda indiferencia y levantar de nuevo un nuevo teatro, un nuevo palacio municipal, una nueva torre a Centroamérica. 

Los altenses somos románticos por excelencia, pero ese romanticismo no debe traducirse en el letargo en el que nos encontramos. ¿Qué dirán de nosotros en 183 años? ¿Hablaran de nosotros o seguirán hablando de aquellos valientes que sí hicieron historia?

Los sueños de libertad, desarrollo y justicia, vienen de la mano con la palabra trabajo. El orgullo debe traducirse en acción. Los Altos no es el pasado que quedó sepultado por las balas del ejercito de Carrera, Los Altos somos nosotros, luchando día a día por ser mejores.

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OPDV (Otro Punto De Vista) #01, una columna de Ana Laura Vera

En su ensayo La nueva escritura, César Aira menciona que “después de creado el arte, no quedó más remedio que seguir haciendo obras de arte”, incluso cuando éstas ya no aportaban nada nuevo a la vanguardia. Con esta afirmación, se abren una serie de cuestionamientos importantes: ¿La vanguardia dejó por lo tanto de tener seriedad? ¿Se rompe con ello el objetivo de la vanguardia? ¿Qué es una vanguardia entonces?

Comienzo este texto expresando que, de manera personal, no considero que la vanguardia haya perdido seriedad, sino más bien que se volvió categórica. A falta de otro objetivo que no fuera el de llenar de obras al arte, las vanguardias optaron por establecer parámetros en los cuales categorizar por temporalidad, estilo y contexto a las obras. Esto, a largo plazo, derivó en el desarrollo de ciertos juicios estéticos y de contenido que permitieran establecer diferencias entre “mala literatura” y “buena literatura”. La vanguardia, por tanto, perdió su sentido, al igual que el arte, y comenzó a llenarse de otra clase de expectativas.

Al continuar su exploración sobre este tema, Aira habla sobre una ley de rendimientos decrecientes, donde establece que “el innovador cubre casi todo el campo en el gesto inicial, y les deja a sus sucesores un espacio cada vez más reducido y en el que es más difícil avanzar”[1]. Sin embargo, opino que no existe ni resulta justo hablar bajo los términos de una ley de los rendimientos decrecientes, pues siempre encontraremos un menos y un más si nos dedicamos exclusivamente a las comparaciones, objetivo que, considero, no debería ser el del arte, mucho menos el de la literatura. Naturalmente, un tema que se toque por primera vez siempre se percibirá más rico y abundante que al tocarse por décima o centésima vez, pero la necesidad de determinar si un tema se ha tocado lo suficiente o en exceso ha orillado a realizar constructos sociales a que los autores se empeñan en pertenecer, queriendo lucir una etiqueta de “buen autor”, evitando caer en la “mala literatura”, mala por redundante.

Pero, si se rehúye a esta categorización, puede que entonces sea posible percibir la “mala literatura” como mala en el sentido de “rebelde”, pues en una literatura de comparaciones, es rebelde el que no busca ser comparado. Una literatura que ofrezca la posibilidad de expresión sin necesidad de un juicio categorizador de por medio, sino evaluada por el contenido emotivo o incitador dentro de ella, podría tener un futuro más prometedor que el que Aira ofrece respecto a las vanguardias. Propongo entonces la rebeldía de almas como la única categoría literaria y artística válida para juzgar la calidad. Quizás la categoría a la que vale la pena aspirar entonces es a ésta.

Por otra parte, a diferencia de lo que dice César Aira sobre la reducción del espacio, ¿en qué momento histórico y sobre qué peldaño de superioridad intelectual se estableció que no se puede escribir sobre lo ya escrito? Si Wittgenstein afirma que sólo se puede pensar lo pensable y Kant se dedicó a averiguar hasta dónde llega eso “pensable”, ¿por qué no podría ser la literatura quien demostrara que incluso lo “pensable” puede crearse y hacer surgir entonces mil Rayuelas nuevas, con su propio lenguaje, sentido, dirección y objetivos? Es decir, si el problema es que no hay sentido en hablar de lo ya hablado, entonces es necesario inventar lo inventado; si el objetivo fuera únicamente buscar nuevos campos que no se hayan tocado, seguiríamos alumbrándonos con candelabros, pues “luz ya había”. Por supuesto, este es un ejemplo muy burdo para explicar la idea, pero cumple con la meta, ya que siempre se pueden hallar nuevos contenidos a lo que se ha tocado más de una o más de cien veces.

Una literatura que busque la rebeldía sería entonces propositiva, en un aspecto de ofrecer a su lector nuevas aproximaciones al estudio del mundo, del alma y de la vida misma, incluso si estas aproximaciones ya han sido exploradas. Aira opina que el espacio se reduce, yo, al contrario, opino que se expande. Aquellos autores que exploran un campo por primera vez, no hacen más que abrir la puerta a un universo entero de posibilidades, mismas que difícilmente se pueden agotar por el arte, que es apenas una ventana para traducir esas posibilidades.

Cabe aclarar que no todo es desacuerdo con el texto. Mi opinión coincide con la de Aira en el sentido que tiene la vanguardia como intento de “recuperar el gesto del aficionado para inventar nuevas prácticas que devuelvan al arte la facilidad de factura que tiene en sus orígenes”[2]. Si el arte, en un principio, era una interpretación personal de una realidad tangible -o no necesariamente tangible, pero sí empírica-, era posible afirmar que el arte podía originarse de igual manera en cualquier individuo, siempre y cuando éste encontrara la forma de expresar lo inexpresable, lo que requiriera dar ese paso entre simple expresión y obra de arte. La vanguardia entones, antes de corromperse y contraerse en un objetivo cuadrado de clasificación, debe retomar su naturaleza y volver a fijar el puente entre el ser humano y la expresión artística, cualquiera que sea el medio predilecto. Esto me lleva a su vez a otro punto de coincidencia con el autor: el peligro que representa la profesionalización en el sentido de que limita el acceso a la categoría de arte. Si la vanguardia se limita al establecimiento de parámetros -a veces irreales-, es una meta inalcanzable la denominación de arte, obra de arte y artista. El desvío que han tenido las vanguardias hasta volverse castigo e insignia al mismo tiempo, dependiendo de la categoría en la que los teóricos y críticos literarios nos coloquen, pasa entonces de ser un rompimiento en la tradición a ser un espejismo en medio de un desierto de comparaciones injustas. Incluso coincido con la idea de que el procedimiento también forma parte de la obra, pues es en el procedimiento donde se encuentran los músculos tensos del trabajo artístico. Es el proceso de escribir La metamorfosis la mitad del camino para ser Franz Kafka, la obra publicada es solamente el final de ese viaje. El problema entonces con la vanguardia es que se limita a valorar los resultados, descartando con ello el trayecto completo. Es en ese escenario que la obra de Phillipp Mainländer se publica dentro de los límites que la categorizan como filosofía existencialista relegando al olvido el proceso de escritura que lo llevó al suicidio, ¿y qué puede ser más poético, más artístico, más vanguardista, más existencialista que eso?

¿Es necesario, por tanto, un replanteamiento del concepto de vanguardia? ¿Qué debe entonces abarcar la vanguardia? Siguiendo la trayectoria que se ha abierto hasta este punto, suena plausible proponer una idea de vanguardia que abarque no solamente el resultado, sino el proceso mismo, comenzando por la intención. La vanguardia, más que obstáculo, debe ser una vía, una ruta para alcanzar la categoría de arte en cualquiera de sus expresiones, principalmente porque, en cada época, ya es bastante vanguardista permitirse la expresión sincera de las opiniones. Quizás deba ser un ofrecimiento, un reto, una invitación y dejar con ello de ser una serie de lineamientos y consideraciones que revistan a uno o varios individuos con el poder de determinar la calidad de la literatura existente. De lo contrario, habrá un sinfín de artistas en potencia que, en vistas de revelar la indomable naturaleza del alma humana en el campo minado de la literatura y el arte, quizás preferirán no hacerlo.

La vanguardia es entonces más coherente si se presenta como el procedimiento que vuelve a los orígenes. Si el arte es “el intento de llegar al conocimiento a través de la construcción del objeto a conocer”[3], tiene sentido la idea básica -y hasta primitiva- de que el arte es un reflejo del mundo, y a través de ella conocemos el mundo y nos conocemos a nosotros mismos. Entonces, puedo negarme a caer en una categorización que dé pie a determinar qué obras literarias son más o menos originales, novedosas o redundantes, vigentes o anticuadas, mejores o peores que otras. Es preferible explorar una “literatura rebelde” que no sólo refleje al mundo, sino que construya más mundo, incluso más de este, del que aparentemente ya se ha escrito todo.

Notas

[1] Aira, César, La nueva escritura, p. 1
[2] Idem
[3] Ibid, p. 3

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Versailles Anime #16, una columna de Francisco Maldonado

Este artículo contiene SPOILERS acerca de la trama de One Piece, no revelan demasiado ni te arruinan la experiencia, pero la advertencia no está de más.

Como había mencionado en la columna anterior y en la del top, con One Piece iniciaré un análisis detallado de cada anime, buscando abarcar los aspectos que a mi parecer son importantes dentro del lore de cada serie. Normalmente busco analizar lo más detallado y resumido posible cada serie, pero siento que omito cosas y otras quedan muy por encima. Espero esta serie les guste y podamos reflexionar juntos acerca de cada anime, así como de cada perspectiva, valor, enseñanza e ideología que estas series nos vayan dejando.

Desde el momento que el ser humano es consciente de su propia existencia, hemos afrontado una pregunta que sacude nuestros pensamientos e influye en nuestras acciones:

¿Qué es la muerte y qué nos espera en nuestro encuentro con ella?

Es curioso notar cómo dentro de la variedad de temas que toca la filosofía, la muerte se ha agotado dentro del pensamiento, parecería que ya se ha puesto sobre la mesa todas las posibles respuestas. Hay quienes por un lado niegan la inmortalidad del alma y otros tantos que creen en su existencia y prevalencia. Pero, ¿qué nos habla Oda acerca de la muerte? ¿Desde qué perspectiva se aborda la muerte en One Piece? Seguramente en algún punto de la vida escuchaste esta frase: “antes de morir debes sembrar un árbol, tener un hijo y escribir un libro”. Más allá de las convenciones sociales y lo que la modernidad puede decir acerca de este enunciado, esta especie de consejo apunta a la trascendencia del individuo. En la serie vemos reflejado esto por primera vez en la muerte del Dr. Hiriluk, podemos decir que Chopper es un árbol, Hiriluk lo sembró, le dio abono y lo cuidó para que algún día, cuando él ya no estuviese, se transformara en un grande y fuerte roble, es decir, está trascendiendo a través de un acto de amor.

Schopenhauer sostenía que la muerte solo nos quitaba la individualidad, porque hablando ya de una definición más biológica, al ser enterrados el cuerpo se descompone y pasa a ser el abono de la tierra, aunque ya no estemos presentes como individuos, la vida seguirá transitando a través de nosotros. Hiriluk no está, pero su vida sigue transitando en este mundo a través de Chopper. Él es su hijo, no en relación a la línea de sangre, sino más bien al ser alguien que tendrá sus recuerdos y la experiencia de qué tanto influyó en su vida. Un hijo puede ser a quien le enseñaste tus valores y le brindaste tu amor. Chopper es un libro, en la trascendencia de las ideas, pensamientos, sentimientos y creencias. Platón nos planteaba el concepto del mundo de las ideas, si nosotros plasmamos nuestro pensamiento en un libro, este puede sobrevivir y nosotros a través de él, es decir, en este mismo momento Platón está vivo en el mundo de las ideas. El sujeto no vive, pero su idea sí.

Estos tres actos de trascendencia implican o dan a entender que la muerte no tiene por qué ser algo temible, porque no es el final. La trascendencia significa existir más allá de los límites de mi propio cuerpo, porque en realidad la verdadera muerte está marcada por el olvido. El Dr. Hiriluk nunca morirá, ya que sus sueños y sus voluntad tampoco lo harán, porque Chopper nunca lo olvidará. Y seguramente Chopper será igual de trascendente que él, porque los sueños de las personas nunca mueren. Y es que, si nos ponemos a pensar, toda la era de los piratas, toda la historia que conocemos de One Piece se desarrolla a través del legado de un solo hombre que en realidad nunca murió. Sócrates decía que:

…Quien le tiene miedo a la muerte es un ignorante. El temor a la muerte, no es otra cosa que considerarse sabio sin serlo, ya que es creer saber sobre aquello que no se sabe. Quizá la muerte sea la mayor bendición del ser humano, nadie lo sabe, y sin embargo todo el mundo la teme como si supiera con absoluta certeza que es el peor de los males. Despreciable más aún es aquel que comete una injusticia para intentar evitarla, se estaría cometiendo un mal por algo que no se sabe si siquiera es un bien…

En One Piece los personajes mueren sonriendo, abrazan la muerte porque no tienen nada a qué temer, Roger no murió en aquella plataforma, porque él tenía un objetivo, algo que pudo descubrir en la recta final de su travesía y que no iba a permitir que una enfermedad le impidiese compartirla con el mundo. Los sueños de un hombre nunca mueren, porque estos son más grandes que el mismo individuo. Todo se reduce al mismo tema, la muerte nunca es el final, porque hay algo detrás mucho mayor que todos los individuos, los ideales y las voluntades. No importa si alguien muere, porque el sueño se seguirá transmitiendo. Esta es la esencia del famoso paso de antorcha, de la voluntad de fuego, de aquellos personajes que creen de manera innata que existe algo en juego más grande que sus propias vidas; de aquel chico del East Blue que dijo las mismas palabras que Goldie Roger sin siquiera coincidir en la misma era. Es la esencia de aquellas personas que creen en esta voluntad más que en su propia vida. Creo que es por esto que en esta historia algunos personajes sonríen al morir, porque no se arrepienten de lo que eligieron, porque lo que importa no es el individuo sino la humanidad, lo colectivo, los nakamas. Así como hay personas que heredaron la voluntad de Roger, habrá otros que hereden la voluntad de Ace, aunque se haya erradicado su linaje, eso no extinguirá la llama de su voluntad, ni la de Tom, Kuina, Bell-mère, Rosinante o Hiriluk, todos murieron por y para alguien con quien no compartían linaje, los adoptaron como un hijo espiritual, porque para Oda, la familia va más allá de los lazos de sangre. Cada uno de ellos pasó y confió una voluntad, un sueño y depositaron su fe en la humanidad de las personas que amaron. Todos pasaron la antorcha.

Pero, ¿qué pasa si la muerte no llega? O si ya somos capaces de ver a la muerte como un problema al cual vencer, ¿qué pasaría con las próximas generaciones, las pararíamos? ¿evitaríamos que suban y que tomen el control? Los pocos que venzan a la muerte, ¿escribirán la historia a su antojo? Es más que evidente cómo a lo largo de la historia el hombre siempre ha perseguido la inmortalidad, y hoy en el siglo XXI, la ciencia te muestra indicios de que puede ser algo posible. En este caso Oda hace un paralelismo a aquella horrible ambición de aquellos hombres que quieren vencer a la muerte, ya que sería la prevalencia del individuo por sobre el mundo y por sobre la humanidad como gran colectivo. Puede que nos guste mucho o poco, pero nosotros somos lo que somos por nuestro antepasados, por sus esfuerzos, por sus aspiraciones, por sus voluntades. La inmortalidad propone una sociedad regida por unos pocos que buscan estar por la eternidad en el poder, de personas que no quieren compartir nada con los demás y que adoran tanto su individualidad como si de un dios se tratase. Aquellas personas nunca se convertirán el hombre que Goldie Roger buscaba, porque están totalmente consumidas por el hedonismo. Y aquél último hombre del que hablaba Nietzsche, aquel ser despreciable que sustituye a Dios por su comodidad, que ya no es capaz de despreciarse a si mismo y cree que ha inventado la felicidad, la fortuna y la dicha; un hombre que, sin Dios, tiene una vida carente de sentido y representa en sí mismo la ruina de la civilización.

La narrativa de Oda es muy buena y se siente natural. Pocas veces es explícito en sus diálogos, ya que le gusta que la serie hable por sí misma y que el espectador interprete todo de manera progresiva, se sabe que los “D” son los enemigos naturales de los dioses, una frase que recién leemos alrededor del capítulo 700 del manga y que en realidad ha sido tallada con un gran simbolismo desde Skypiea, donde el chico con una “D” en su nombre, se enfrenta al autoproclamado dios Enel, alguien de una absurda omnipresencia que abusa de su poder para controlar a los ciudadanos y que por cosas de la propia naturaleza, Luffy se termina convirtiendo en su enemigo natural.

Por todo esto, es que tal vez One Piece es una de las obras con las escenas más memorables del mundo shounen. Toda línea de diálogo tiene mucho trabajo y trasfondo, la serie no habla si no es necesario y disfruta de dejar todo a tu interpretación, para que cuando conectes con las escenas que Oda había previsto, estas sean realmente importantes, tanto para los personajes como para ti. El filósofo es alguien que ya está entrenado o preparado para recibir a la muerte, pero ¿se puede estar igual de preparado para recibir la muerte de los demás? La muerte de una persona que ha formado parte de mi vida y de mi yo, termina siendo más dramática que la desaparición de mi yo completo. Luffy no le teme a la muerte, pero si le teme a transitar una vida sin la compañía de las personas que le importan, porque la muerte también tiene un impacto en los personajes; tal vez por eso es que vemos pocas muertes en la obra, ya que cada una de ellas tiene una razón de ser. Goldie Roger se entregó solo porque él debía morir, no habría soportado que sus camaradas tuviesen el mismo destino que él, porque, no era necesario, no era su destino.

La complejidad de One Piece con respecto a las muertes es llamativa, y seguramente hay cosas que pasé por alto. Pero lo que me llevo de esta serie, algo que pude aprender de ella, es que una persona no muere cuando su corazón se detiene, sino cuando es olvidada.          

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