Versailles Anime #13, una columna de Francisco Maldonado

Este artículo contiene spoilers de Code Geass, esto es necesario para hablar con libertad de la serie y tener un análisis mucho más preciso.

Code Geass es una serie anime realizada por los estudios Sunrise. Fue dirigida por Goro Taniguchi y escrita por Ichirō Ōkouchi, el diseño de los personajes estuvo a cargo del grupo CLAMP (Diseñadoras de los personajes de Cardcaptor Sakura). Como lo prometido es deuda, empezamos el 2021 con una columna dedicada a una de las series más aclamadas de los últimos años y cuya popularidad (bien merecida) permanece. Tomando en cuenta que hace más de 10 años que terminó su emisión, vale la pena entender las razones que más allá de su aclamado final, lo tienen considerado por muchos como uno de los mejores animes de la historia.

Inicialmente, esta serie pertenece al género Mecha, como hemos señalado en otras oportunidades, este género no es precisamente uno de los más valorados, al menos fuera de Japón, pero en este caso, casi cono en Evangelion, los mechas son solo un pretexto o acompañamiento a la trama principal del anime. Code Geass nos presenta una batalla de ideales que va más allá del bien y del mal, que se notan dentro de las mismas facciones, dentro de las familias, dentro de las parejas y dentro de los mismos personajes. La serie nos plantea cómo es cargar con un ideal que necesita de mucha sangre para ser llevado a cabo, como es renunciar a tu identidad y a tu esencia para buscar una justicia fundamentada en la pérdida. El punto fuerte de Code Geass es que todos quieren lograr sus objetivos, ya sea de manera diplomática o por la fuerza, pero todos se anteponen a sí mismos, dejando muy delgada la línea entre el heroísmo y la ambición.

La serie nos presenta un mundo dividido en tres facciones, la Unión Europea, la Federación China y el Imperio de Britania ¿les suena familiar? Pues bueno, estos últimos son los antagonistas de la historia, al menos a primera vista. Este imperio conquistó y anexó a Japón a sus territorios, cambiándole el nombre y denominándolo Área 11. Aquí conoceremos a los dos personajes principales de la historia, Lelouch, un hijo del emperador que fue desterrado de los territorios principales del imperio y enviado a vivir al Área 11, conocerá a Suzaku un joven japonés de fuertes ideales y convicciones que cree en poder cambiar el imperio desde adentro. A partir de aquí encontraremos una lucha entre la revolución y el imperio, misma que escala a nivel global, desatando una guerra mundial por el control de un territorio con potencial mineral para fabricar armas ¿les vuelve a sonar familiar? Cada bando se irá convirtiendo en el villano conforme la trama avanza, porque como les dije antes, esta es una lucha de ideales, no importan los bandos, no importa el bien ni el mal o los sacrificios, lo importante en Code Geass es que nadie será capaz de poner sus ideales a un lado, sin importar lo que esto signifique.

“Buenas noches. El día de hoy, nuestros ciudadanos, nuestra forma de vida y nuestra libertad, fueron atacados en una serie de deliberados y mortales actos terroristas…”

Inicio del discurso de George W. Bush como presidente de los Estados Unidos después de los ataques del 9/11.

¿Saben cuál es el problema con esta clase de discursos? Que no tienen ninguna intención de dar condolencias a quienes fallecieron en los ataques o de invitar a la ciudadanía a una reflexión, sino que toman los eventos dolorosos y los usan como justificación para una respuesta bélica. Hitler impulsó la segunda guerra mundial bajo su visión egoísta de lo que según él era lo mejor para el mundo y así surgen casi en su totalidad los conflictos a gran escala. Sin embargo, así somos los seres humanos, actuamos según nos convenga y solo reaccionamos ante algo cuando nos afecta. Pero aún esta reacción irá encaminada en cubrir nuestra necesidad, por ridícula que esta sea, como por ejemplo vaciar las perchas de papel higiénico como respuesta inmediata a un virus; y esto porque en el fondo, somos egoístas. Code Geass nos habla de este egoísmo, nuestro protagonista es un príncipe exiliado de una super potencia mundial, cuyo ideal es la supervivencia del más fuerte. Lelouch odia a Britania, pero lo hace porque mataron a su madre y dejaron a su hermana inválida, no hay una razón altruista detrás de aquello que lo motiva a convertirse en Zero, su alter ego y líder de la rebelión. Lelouch sabía que su inteligencia no era suficiente para llevar a cabo su venganza, así que cuando recibió el Geass (poder para controlar a la gente) y se unió a la rebelión, empezó su plan para destruir Britania.

La serie nos muestra un Japón lleno de desigualdad, pobreza, discriminación, terrorismo, hambre, opresión y miedo, uno al inicio puede pensar que esta es la historia de una revolución y de cómo un imperio es derrocado por la voluntad férrea de un pueblo unido, pero no, el título de la serie no es La rebelión de Lelouch por nada, lo que motiva a nuestro protagonista es el odio, la revancha, la venganza, pasamos gran parte de la serie pensando que con los eventos de los que es testigo, en algún punto se convertirá en un libertador, no obstante, cada capítulo resalta la premisa que nos fue planteada desde el segundo capítulo, somos testigos de la historia de un justiciero, de un hombre que ya se ha decidido a sacrificarlos a todos, que no busca un final feliz, sino que busca el final de todo. Lelouch manipula a los japoneses a través de la figura de Zero, y a través de esa misma figura fue capaz de fundar una nación, pero al final de la primera temporada deja todo eso de lado por su hermana, de esta manera nos damos cuenta que la guerra que presenciamos se ha librado desde su inicio por motivos personales, por los ideales de una persona.

Del lado de Britania tenemos a Suzaku, su mejor amigo, quien es la contraparte del protagonista, él está lleno de valores e ideales de paz, es alguien que no está dispuesto a sacrificar inocentes ni mentirle a nadie para alcanzar la libertad de Japón, él cree que puede cambiar el sistema desde adentro, Suzaku es un japonés que ingresó a las fuerzas armadas del Imperio de Britania, por lo que es constantemente considerado como un traidor. Más allá de los ideales de justicia que vemos en Suzaku, él también está ahí por un trasfondo egoísta; mientras la conquista de Japón tomaba lugar, el padre de Susaku quien era el primer ministro, estaba decidido a hacerle frente a Britania, pero su hijo, siendo aún un niño, decidió matarlo porque para su manera de ver las cosas, era inútil resistirse, vendiendo a su país a costa de sus propios ideales. Susaku busca redención para si mismo, consigo mismo, no busca la libertad, él quiere aliviar su consciencia.

El anime se hace fuerte mostrando un elemento que ya teníamos en Death Note, la pregunta de si el fin justifica los medios. Esto se reitera una y otra y otra y otra vez durante el anime, me gustó cómo en los primeros capítulos mezclaban el asunto, mostrándonos que no todo era blanco y negro, y que la realidad es gris. Esta antítesis entre Lelouch y Suzaku nos invita a reflexionar como a pesar de que parecen ser tan distintos, en realidad son similares, Lelouch debe asumir la soledad como un precio a pagar por la manipulación que ha ejercido y por otro lado Susaku quien lleno de culpas y dudas al propiciar un ideal que se sabe incapaz de cumplir, siempre termina fallando al momento de proteger lo que más quiere. Tanto Lelouch como Suzaku están muy bien definidos. En todo momento tenemos bien claras sus motivaciones y sus acciones son coherentes con éstas, cada uno tiene una forma de ver la realidad y cree que lo que está haciendo está bien y lo que hace el otro, mal, pero es totalmente entendible por la historia que tienen detrás, la cual también está muy bien explicada sin necesidad de hacerla extremadamente enrevesada.

Al ver la serie nos preguntamos ¿cuál es el bando correcto? Es difícil escoger un bando, la serie se encarga de engancharte con los personajes y sus motivaciones, de tal manera que todas te parecen buenas y malas a la vez, a momentos te identificas con Lelouch y a momentos con Suzaku, lo que está clarísimo son las dos veredas del argumento, la venganza y la redención, ambas unidas por el ya mencionado egoísmo, y presentadas como justificativo para quienes se han parado en cada una de ellas. ¿Un acto de venganza puede generar redención? ¿Si mi redención requiere de un acto de venganza, seguiré buscándola? Code Geass nos muestra como el ser humano proyecta sus deseos y los asume como ideales sociales cuando tiene la capacidad de llevarlos a cabo a gran escala, es decir, en un debate sobre cualquier tema todos creemos tener la razón y creemos que nuestra cosmovisión haría del mundo un mejor lugar, por lo que en el momento que tuviésemos el poder suficiente, llevaríamos nuestros ideales a cabo. El ser humano no suele detenerse a pensar que la forma en la que vemos el mundo responde a nuestras experiencias previas, por lo que de tener la capacidad de plasmar esas ideas y al final hacerlo, caeríamos en un acto egoísta, porque no somos iguales al resto, no tenemos los mismos miedos y no luchamos con los mismos demonios, es verdad que hay muchas necesidades que todos compartimos, pero ¿sería realmente eso lo que nos motive?

El Geass le dio el poder a Lelouch para sumar gente a su causa y manipularlos para llevar a cabo su venganza. ¿Cuántas veces hemos visto en el conflicto una oportunidad para ganar una ventaja? Suzaku fue un kamikaze desde el inicio, quería morir como un héroe para aliviar su conciencia, era su culpa la que limitaba su capacidad para proteger a quienes decía querer. En cuantas ocasiones hemos encontrado en la autodestrucción el escape a nuestras culpas, generando una coraza que no aliena de las personas que amamos o de nuestros propios sueños.

Creo que el egoísmo detrás telón del conflicto no solo atañe a los gobernantes mundiales, quienes obviamente responden a agendas mucho más grandes que sus figuras, mismas que están llenas de intereses inmensos. Este egoísmo está en la familia, está en la escuela, en el trabajo, en nosotros mismos. Es más fácil ganar cuando todos están divididos, podemos ser muy hábiles y hablarles a todos los bandos para al final quedarnos en el que luzca como vencedor. Todos los conflictos nacen del momento en que nadie quiere ceder para que el otro gane, en no ser cordiales al conducir, en el no querer mostrarse vulnerables, porque todos debemos vernos fuertes y bien siempre, ¿verdad? Creo que el egoísmo no es solamente el no querer que el otro tenga ventaja, sino en el fingir una actitud, porque la vulnerabilidad es sinónimo de debilidad. Egoísmo también es caminar con careta, porque estamos dejando de compartir con quienes son cercanos a nosotros nuestro verdadero yo.

¿Lelouch era egoísta? Si. ¿Lelouch manipuló a toda una nación? También. Vuelvo a esto porque a muchos no les gustó el tramo final de la serie, muchos creen que las historias deben terminar grises y abiertas, lo que creo que en muchas historias encaja y está bien; en Death Note éramos nosotros quienes decidíamos si todo lo ocurrido fue correcto o no, pero creo que Code Geass merecía ese final de redención, del cual no haré spoiler. Estoy seguro de que una persona es más que la suma de sus partes, el transcurso de la vida es gris y no me refiero a triste u opaca, sino más bien a que es una mezcla de luz y oscuridad, constantemente caminamos en la línea que divide estas dos fuerzas, pero nos debatimos entre matices de ambas, aunque es al final donde decidimos a cuál de las dos va a pertenecer el legado que decidimos dejar, más allá del camino, creo que siempre tendremos una última bala de plata que nos permitirá tener acceso a una redención, todos haremos daño mientras existimos, por eso todos tenemos situaciones a enmendar antes de partir, y creo que el mayor egoísmo de todos es insistir hasta el final en que hicimos todo bien y que no tenemos nada que corregir. Code Geass es un viaje del egoísmo a la redención, una que no todos llegan a alcanzar, pero a la que todos tuvieron acceso; la serie nos muestra que siempre hay un origen para el conflicto y que hasta que no desatemos ese nudo, el telón no puede caer, seguiremos viendo lo más obvio, que seguramente es lo que nos interesa ver, porque no será nuestra responsabilidad, siempre será la culpa de alguien más. Lelouch decidió tomar en sus manos el peso de ese telón y abrirlo definitivamente a todos, hacer evidente el origen. Para terminar, quiero dejarte con una última pregunta, ¿estarías dispuesto a exponerte para hacer evidente los conflictos que rodean a los tuyos?

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Versailles Anime #15, una columna de Francisco Maldonado

Como les había comentado en la columna del top 10, este año quiero hablar sobre algunos de los animes icónicos dentro del mundillo, como entenderán esto siempre es mucho más delicado que hablar del shounen de temporada, ya que cuando una serie alcanza el puesto de clásico, seguramente tiene a sus espaldas ejércitos de fans que la siguen y la defienden a muerte. No creo que exista la serie perfecta, quiero dejar claro eso. Todas aquí tendrán un análisis objetivo, donde señalemos los aciertos y los errores. A cada anime le dedicaré tres o cuatro columnas, dependiendo de los temas que me llamen la atención. Y con todo esto claro, creo que podemos iniciar.

Esta nueva estructura de la columna arranca con One Piece, uno de los animes y mangas más consumidos alrededor del mundo, no hay una razón en particular para iniciar aquí, más allá de considerar una buena manera de abrirle paso a este nuevo concepto. One Piece es un manga escrito e ilustrado por Eiichirō Oda y actualmente es el manga más comprado en el mundo. Comenzó a publicarse en la revista japonesa Weekly Shōnen Jump el 10 de octubre de 2011, se publicaron los capítulos en volúmenes y actualmente van 1001 capítulos. Por otra parte, Toei Animation realiza el anime que se transmite en Fuji TV desde el 20 de octubre de 1999, manteniéndose hasta el día de hoy en emisión.

A la hora de hablar de One Piece hay muchísimas cosas que se pueden decir, empezando porque para algunos es el mejor anime que han visto en sus vidas y para otros es simplemente basura, pero algo que no se puede negar es que es el manga más vendido en la historia de Japón. Ahora bien, el tener una mayor cantidad de ventas no te convierte en el mejor anime o manga, es más, One Piece tiene algunos errores que mencionaremos más adelante, sin embargo, es un shounen bastante bueno, tal vez no sea el mejor, pero ha hecho muchas cosas bien. Creo que todos vamos a estar de acuerdo que no cualquier manga logra mantenerse con la mayores ventas semanales luego de pasar los mil capítulos publicados. En esta ocasión trataremos de analizar por qué One Piece funciona, lo que hace bien y las razones que lo alejan de ser un shounen promedio, así como también pondremos la lupa sobre sus aspectos negativos.

Comencemos con unos de sus puntos más superficiales, pero no menos importante, su estilo único. One Piece se caracteriza por ser diferente del típico shounen de peleas en lo que a diseño se refiere, su estilo es bastante caricaturesco, tanto la complexión como los rasgos de los personajes son deformes y exagerados, dotándolos de características un poco raras y difíciles de apreciar al inicio, pero presentando todo esto de una manera sencilla, alegre y muy simpática. Aquí es donde decide quemar los libros de anatomía humana y decide incursionar en un diseño más divertido y novedoso, y por lo tanto, más arriesgado. A mucha gente le pasó que, al mirar los primeros capítulos, se les hizo difícil acostumbrarse tanto al diseño como a la animación; es más, personalmente ese fue uno de los impedimentos que por años tuve para empezar a ver el anime. Lo que es importante señalar es que esta misma característica que a muchos no gusta, complica o no convence, brindó al diseño un aire propio, único y reconocible. Le daba carácter y personalidad versus el típico diseño shounen que se presentaba en la época. Luffy (protagonista), era todo lo opuesto al ideal de belleza y masculinidad que se plasmaba en los protagonistas de esa época. Aquí hablamos de un tipo enclenque, vago, se picaba la nariz, etc. Si bien compartía muchas de las características del protagonista Nekketsu (acción y peleas), su apariencia lo mantenía como alguien memorable. One Piece decidió sacrificar un poco el realismo para acercarse mucho más a los sentimientos, brindando así una mejor inmersión.

De la animación no hay mucho de decir, en los primeros capítulos se puede notar que no creían mucho en el proyecto, aún más cuando hablamos de Toei Animation y sus animadores filipinos (Goku fase 3); esas primeras emisiones tenían una calidad bastante mediocre, lo que, por suerte para los fans, después daría un vuelco bastante notorio. Ya dentro de otros aspectos técnicos como la banda sonora, podemos decir que la serie tiene una de muy buena calidad, los sentimientos de melancolía y aventura que logran evocar son casi insuperables, pero volvemos a lo de antes, Toei Animation no creía en este anime, por lo que en las primera sagas, terminarás harto de escuchar la misma banda sonora una y otra vez. El soundtrack de la serie es excelente, pero funcional, ya que aún cuando se expande, funciona muy bien con exactamente lo que la serie quiere transmitir y no mucho más.

El mundo de One Piece es uno de los más “vivos” y únicos que vamos a encontrar en el anime, aquí es donde Oda nos demuestra que no es un mangaka cualquiera, porque, aunque tiene errores, nadie puede negar el bestial trabajo que hizo al construir su mundo. El autor logró que el espectador se sumerja muy fácilmente en su historia y que a su vez genere interés por el medio que rodea a los personajes, culminando en algo que caracteriza a esta obra, el sentimiento de aventura. Hay varios factores para tomar en cuenta, pero yo me voy a enfocar en cuatro, el planeamiento de su historia, el movimiento de su mundo, la implementación de los secundarios, y la caracterización de los escenarios. Comencemos con el planeamiento previo, Oda es un mangaka que tiene una muy buena organización de su historia, es más, él ya sabe el final del manga desde la publicación de los primeros capítulos. El tener un planeamiento previo, permite que la historia se vuelva más orgánica y que los giros que se vayan implementando a lo largo del desarrollo de la trama, no se sienten forzados o como conveniencias. Es por esto que la historia resulta atrapante, Oda es capaz de entrelazar sucesos del capítulo 400 con otros del 3, para posteriormente concluir con los acontecimientos del capítulo 700. Esto obliga tanto al lector como al espectador, a estar más atento para conectar estas redes de información. El tener una historia tan bien preparada y planificada, lleva a que su narrativa fluya de mejor manera, para que, al momento de dar una gran revelación, se sienta mucho más creíble y tenga un mayor impacto en el espectador. Un gran ejemplo y al mismo tiempo el más conocido es el Haki, el cual fue revelado en el arco del Archipiélago Sabaody, para ser más específicos, entre los capítulos 385 y 405. Su incorporación a la trama fue bien hecha y esto por el simple hecho de que, desde el principio, desde el primer capítulo, se presentaron indicios de su existencia. Cuando vemos a Shanks utilizar su Haki del Rey contra la serpiente marina para salvar a Luffy, no se siente como un power up inventado de la nada.

Este mundo está en constante movimiento, mientras Luffy y sus nakamas están en determinada isla haciendo algo, el resto de secundarios y terciarios que se nos ha presentado, están activos, ejerciendo cambios en su entorno y por ende en el mundo de todos. Cada quien es importante en su historia y eso es algo que Oda deja muy en claro, el foco de atención no está solamente en los protagonistas, la trama no avanza solo por ellos, no pasa como en Fairy Tail donde la historia está tan enfocada en el gremio principal, que todo lo que pasa a su alrededor deja de ser relevante y cuando la serie quiere abarcar algo de eso, no conectas. En One Piece, mientras unos pescan, otros pelean y los demás viajan, pero nos enteramos de todo, porque todo es relevante y todo aporta. Otro ejemplo, la batalla de Ace y Barba negra culminó en las sagas de Impel Down y Marine Ford. Esto nos da la sensación de que su mundo está vivo y de que saliendo de la perspectiva de Luffy no nos espera una gran pantalla en negro, sino que hay cientos de personajes con sus propios arcos y aventuras, los cuales también son relevantes y empujan la trama.

Por otra parte, al saber la locación y las acciones de otros personajes que no sean los protagonistas, nos lleva al tercer punto de este enfoque, la correcta implementación de los secundarios. Saber donde está cada uno lleva a que su implementación no termine siendo conveniente o forzada, por ejemplo, Ace no puede venir a ayudar a Luffy si sabemos que está a tres islas de distancia. Esto no ocurre en animes como Bleach, donde llegan personajes secundarios de la nada, no sabíamos dónde estaban o qué estaban haciendo, pero van a salvar el día, lo que los lleva a perder relevancia luego de su saga de turno. Todos estos movimientos le restan coherencia y realismo al mundo que nos plantean, moviendo la línea de lo verosímil cada vez que se requiere. Esto es algo que One Piece logra evitar gracias a la gran construcción que posee, si todo lo antes mencionado lo mezclamos con el enorme talento que tiene Oda para unir los géneros de acción y fantasía, obtenemos dentro de esta obra uno de los mundos más vivos, realistas y creativos del anime.

Llegamos a nuestro último punto, la caracterización de sus escenarios. Cada saga de One Piece resulta memorable por la caracterización que tiene detrás, aquí encontramos la idea de que el escenario es un personaje más, este concepto está muy bien planteado y se utiliza mucho en cinematografía. Dicho de otra manera, hablamos del poder sugestivo que tiene o puede llegar a tener una locación. Cada isla es distinta a la otra, cada una tiene su propia cultura, tienen creencias y jerarquías diferentes, y todas están plagadas de referencias a nuestra realidad, ya sean estas literarias, religiosas, históricas o culturales. Con esto la serie consiguió que el espectador se sintiera cómodo, que el medio que lo rodea sea familiar, sin dejar de lado la generación de sentimientos de curiosidad y aventura, gracias a la manera en que Oda consigue integrar aspectos fantásticos en la obra. Es por esto que, si la serie te presenta una ciudad en el cielo, no te lo cuestionas, sino que lo terminas asimilando y aceptando porque sabes que eso es algo propio de su mundo. Oda consigue que la manera en la que integra los nuevos escenarios sea natural para nosotros, esto es algo que muy pocos pueden lograr, todo el tiempo tienes la sensación de que toda esa isla o civilización no se creó de un día para otro, sino que siempre estuvo ahí, esperando a ser descubierta no por los personajes necesariamente, sino por nosotros. El mundo de One Piece puede negociar muchas cosas, pero nunca el sentimiento de aventura, en todo momento nos invita a ser curiosos, a preguntarnos que hay más allá, con la certeza de que lo que descubramos será aún más increíble. Porque cada isla es igual de humano que cualquier personaje de la serie.

Como toda obra, Once Piece no es perfecta. Si bien sus personajes interactúan muy bien entre sí y nos proveen de una red de información relevante, también es verdad que decaen en su evolución a lo largo de la historia. Si bien Luffy tuvo un cambio de perspectiva luego de darse cuenta de que no se puede conseguir algo con solo quererlo, que debía mejorar luego de ver morir a su hermano y de no poder hacer nada mientras sus nakamas desaparecían a mano de Kuma, este termina el único cambio significativo que sufre el protagonista en más de mil capítulos. En otros aspectos todos siguen siendo los mismos que cuando aparecieron, también los desarrollos caen en lo repetitivo, todo ser vivo que existe en el anime tiene un pasado trágico y si a eso le sumamos a que en el anime repiten los flashbacks tanto como sea posible con tal de no alcanzar al manga, el recurso se termina volviendo tedioso. En este aspecto es preferible leer el manga, ya que Toei Animation con tal de alargar los capítulos hacen cualquier cosa, así que no te sorprendas si durante diez capítulos seguidos ves los mismos flashbacks.

El plotarmor se puede describir en términos sencillos como la protección que el autor le da a uno de los personajes. El uso que el anime le da a este recurso desvalúa un poco su historia, la debilidad que tiene Oda por no matar personajes realmente lo perjudica, ya que sabes que nunca les va a pasar nada a los miembros de la tripulación. Nadie va a morir y nadie va a estar en una verdadera situación de peligro, por lo tanto las batallas pierden tensión. Es real que el anime es exageradamente largo, su historia se podría contar fácilmente en menos de 500 capítulos, pero lo que nos compete hoy es analizar las razones por las que es un buen anime y de cómo no hay que juzgarlo solo por su duración, acá simplemente enmarco que One Piece como cualquier otro anime tiene muchos errores, pero el tema es que sus aspectos positivos pesan mucho más que los negativos.

Si hay algo que muchos señalan como negativo en la serie, es la impresionante cantidad de suerte que tiene nuestro protagonista, eso de siempre encontrar a la persona indicada o de estar siempre en el lugar correcto, conocer a la persona que justamente podía llevarle a cierto lugar o darle la información determinante, etc. Pero en mi perspectiva esto ocurre debido a una fuerza mayor y que se ha explicado a lo largo de toda la serie, la voluntad de D. El que Luffy tenga todos estos “golpes de suerte” y que los mismos sean continuos no es una cuestión de conveniencia del guión, se trata del destino, de una voluntad que se heredó generación tras generación. De aquel chico del East Blue que pronunció las mismas palabras del gran general Goldie Roger sin siquiera coincidir en la misma era, una voluntad que lleva a que todas estas personas terminen conociéndose, porque estaban destinadas a hacerlo para un bien mayor. Un apellido que esconde el misterio más grande de toda la serie y que al mismo tiempo envuelve a cada personaje de One Piece y su historia.

El siglo vacío, la censura del gobierno mundial y la exterminación de toda una civilización, estamos hablando de una historia que aparece y se desarrolla desde el primer capítulo, siendo esto lo que justamente señalé desde el inicio, la increíble cabeza que tiene Oda para atar cabos entre diferentes capítulos sin importar cuán distantes estén uno del otro. El ver como tiene todo planificado desde el comienzo, el cómo alimenta tu cerebro para poder interpretar todo y formar tus propias hipótesis, para que, sin darte cuenta, ya estés totalmente dentro de su mundo y en la historia que lo rodea. El que te revele un hecho muy importante para que tiempo después te des cuenta de que siempre estuvo delante de tus ojos, donde hasta la escena más simple pueda ser de vital importancia en el futuro.

– ¡Yo soy Roger! ¡El destino decidió que nos conociéramos, Rayleigh! – ¿El destino? – ¿Quieres causar una revolución en el mundo conmigo? – ¿El mundo? – ¡Ya te lo dije, para causar una revolución en el mundo! ¡Vamos, zarpemos Rayleigh!

Toda obra tiene sus errores, obviamente unas más que otras, es ahí dónde uno puede darse cuenta si un anime es bueno, malo o excelente. Esta serie tiene clichés, tiene defectos y puede llegar a ser muy predecible en su desarrollo, en el sentido de que ya sabemos que Luffy será el rey de los piratas, y que su interacción con cada isla se estructura de la misma forma. El contrapeso lo pone su historia, una que es totalmente indescifrable. Lo que ha logrado Oda es increíble, por lo que no entiendo cuando alguien desprestigia la serie solo por ser larga o por la animación de sus inicios. Confieso que no es mi anime favorito, tal vez no entra en mi top personal, pero no puedo dejar de reconocer la calidad que tiene. Tal vez su mayor problema sea que con su extensión ha generado mucha ansiedad en los fans por saber si logrará cerrar la obra de manera adecuada, aunque visto lo visto, creo que Oda le dará el final que se merece, el que cree necesario, el que encaje con el universo que decidió compartir con nosotros. Siempre es bueno recordar que estos universos no nos pertenecen, somos visitantes, observadores externos de su desarrollo, así que por ahora veamos, leamos y disfrutemos.

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Versailles Anime #03, una columna de Francisco Maldonado

Este artículo contiene algunos SPOILERS de Your Name (Kimi no Na wa). No te arruinan nada y revelan muy poco, pero, de todas formas, no está de más la advertencia. Recomiendo leer este artículo mientras se reproduce la banda sonora de la película, créanme que va a hacer la diferencia.

Kimi no Na wa (Your Name) es una película de animación japonesa estrenada en 2016; escrita y dirigida por Makoto Shinkai, animada por CoMix Wave Films y distribuida por Tōhō. ​ La película está inspirada en la novela del mismo nombre escrita por Shinkai que fue publicada el 18 de junio de 2016. Masayoshi Tanaka es el diseñador de personajes y la banda japonesa Radwimps compuso la música de la película.

¿Qué quiere decir que una película de anime sea la mejor? ¿Qué significa que una banda sonora (de anime) sea la mejor? ¿Qué quiere decir para mí, que esté en el top de todo? A lo largo del tiempo nos hemos encontrado con bandas sonoras muy bien producidas, donde las selecciones de timbre van acordes con la trama, que tienen armonías y desarrollos motívicos hermosos y que están basadas en géneros que dan un carisma único a la historia que acompañan. Si se hiciera un top 10 de bandas sonoras de anime, nos daríamos que cada una de ellas sería buena en una cosa, sería la mejor en un aspecto, tendría una característica especial que la pondría en ese lugar y eso estaría bien.

La banda sonora de Kimi no Na wa (Your Name), así como la película en sí misma, no es la mejor en nada, pero es excelente en todo, y es para mí la mejor representante del género, porque en cierta forma tanto las bandas sonoras como el anime son un género aparte. Decía Yōko Kanno (compositora japonesa) que existe una gran diferencia entre las bandas sonoras de producciones de Hollywood y las de anime japonés, porque las escenas se van construyendo de manera diferente y las ideas que se exploran son completamente distintas. Convertir escenas que durarían segundos en macro momentos. Es muy difícil verbalizar lo que las bandas sonoras de anime pueden llegar a transmitirte, pero en ninguna se manifiesta tanto como en la de Your Name.

Dentro de las canciones de la película, hay un tema llamado “Sparkle”, y sin hacer spoilers puedo decir que toda la historia podría esquematizarse a partir de los cuatro primeros acordes de esta canción. Está compuesta por un ostinato y dos voces que se persiguen y se imitan. Y es que en la película hay un ostinato, una especia de entramado que todo lo relaciona y a través del cual los dos personajes principales se conocen y pueden “sonar”, él y ella, dos voces que se persiguen y se imitan.

Esta banda sonora fue compuesta por el grupo japonés Radwimps y tiene muchos enfoques diferentes. Tiene piezas compuestas para piano y cuerdas, estas tienen más relación con la parte religiosa de la trama. Existen también varias piezas de piano solo, las cuales son mucho más melancólicas y luego tienen una colección de temas independientes que van acompañando distintas escenas no tan relevantes en la trama. Y lo más importante, tiene cuatro canciones de J-Pop (Pop japonés), que son la parte fundamental de la banda sonora y las que hacen que valga la pena. Las cuatro son la exploración del mismo tema, es decir, están basadas en la misma melodía, pero tratándola de maneras diferentes.

Hay una sonoridad que aparece en toda la película y es la de reproducir la grabación de un instrumento, pero invertida (hacia atrás). Uno de los puntos principales de la película es la exploración del tiempo y de si el futuro puede cambiar el pasado. El hecho de que la primera canción del disco empiece con este timbre y la última termine con una mezcla de esta sonoridad más la de los instrumentos sonando normalmente, ya te encuadra la historia. Este tipo de cosas hacen de la banda sonora algo diegético, es decir, parte de la historia misma de los personajes. En el tema Nandemonaiya el tratamiento de la melodía es distinto, esta canción es la última del disco y de la película. La música nos dice que al final las cosas han cambiado, el tema se ha reordenado en el tiempo, este es el tema que tenía que haber sido, y aquel que ha estado sonando durante toda la película estaba mal, estaba desordenado.

Esta película me sacó más de un prejuicio de encima, renovó en mí una gran cantidad de sentimientos que no encontraba hace mucho, cambió mi cabeza en el transcurso de la historia. Parecía que la había visto hace años, que la historia era mía ¿Cuándo fue la última vez que te mordiste los labios para no llorar? ¿Cuándo fue la última vez que sentiste que había una línea imaginaría que te separaba de aquello que más amabas? La película está llena de planos con líneas que cortan la imagen a la mitad y no es un detalle menor que sean puertas las que dibujan estas líneas, nunca nadie pasa por el medio, solo se muestra la puerta. ¿Cuántas veces te encontraste a una puerta de distancia de algo que esperaste por mucho tiempo?

¿Crees en el hilo rojo del destino? El y ella, dos voces que se persiguen y se imitan. A veces el tiempo no es el correcto, te esfuerzas, sientes que está a la mano, luchas un poco más, pero siempre hay un evento que te empuja solo lo suficiente para que no lo alcances y solo lo roces. Dice la creencia que quienes están unidos por este hilo rojo están destinados a estar juntos, sin importar el tiempo, la distancia o las circunstancias y que no importa cuánto se estire o enrede, nunca se va a romper. Pero, ¿qué pasa cuando el hilo se enreda tanto que duele tenerlo atado? ¿qué pasa cuando nos damos cuenta que desenredarlo nos llevará más tiempo del que estamos dispuestos a soportar? Taki (el) fue capaz de atravesar literalmente una vida de distancia para alcanzar a Mitsuha (ella).

A veces las líneas no están completas, a veces solo tenemos líneas borradas con padres, amigos, amores, familia. A veces la línea es cortada desde el cordón umbilical y nunca se vuelve a unir. Mientras veía la película pensaba en cuántas veces queremos completar esas líneas en nuestra vida, pero aun cuando las trazamos y ese otro extremo nos tiene enfrente, no nos reconoce. Your Name no es necesariamente triste, nos dice de a poco que la vida es un círculo por completar y que al final la felicidad está, ya sea en un pueblo que sobrevive a un fenómeno natural o en un amor que después de mucho logra estar completo.

Nos hemos enfocado tanto en dibujar líneas rectas para unir, cuando debíamos entender desde el principio que el círculo era la línea definitiva, porque no importa la distancia, estás en la misma línea, no hay nada que necesites unir, no hay aristas, no hay finales, es perseguirse e imitarse una y otra vez. El círculo es la línea perfecta, está por encima del tiempo, es un ciclo que no acaba, que conecta nuestro mundo con el intangible, que nos acerca a los anhelos. El círculo contiene en un abrazo, calienta los alimentos de nuestra familia, encierra el color de las ventanas de nuestra alma, nos ilumina en la mañana y acompaña en la noche. Tal vez y solo tal vez, todo eso que perdimos, simplemente no estaba dentro del círculo que habíamos dibujado con nuestro hilo.

Your Name fue un suceso mundial en 2016 y desplazó a “El Viaje de Chihiro” como la película de anime que más recaudó en todo el mundo. Y aunque algunos de ustedes puedan dudar, a veces y solo a veces, algo se hace conocido y popular porque es bueno. Empezar a verla es como cuando estás en una montaña rusa y la subida inicia, sabes que la caída es inevitable, pero aún ni siquiera has llegado al punto más alto. Es un viaje de expectación continua, una película que se anuncia a sí misma, y créanme que la recompensa emocional vale la pena toda la espera.

Esta película es una de las experiencias más acogedoras que he tenido el placer de tener. Soy incapaz de poner pausa a sus canciones, me hizo incapaz de ponerle pausa aun cuando sean las dos de la madrugada y la cuarta vez que la veo. Eran las ocho de la mañana y no era capaz de mantener los ojos abiertos sin llorar para poder escribir esto. Pensaba que no puedes ser objetivo con Your Name, solo puedes dejarte llevar por la historia y las cuerdas que lo unen todo. Esta película me hizo recordar lo que sentía cuando miraba Dragon Ball y levantaba las manos para ayudar a Goku a ganar. Es imposible no verla sin que el corazón se te detenga y los vellos se te ericen.

Hace cuatro años volví a enamorarme del anime, hace cuatro años empecé a ver distinto el sol y la luna. Es curioso que técnicamente la punta de los bolígrafos que usamos para escribir las historias es redonda y las tizas funcionan mejor cuando dejan de ser cuadradas. Hace cuatro años entendí que aquello que anhelaba ya estaba ahí, dentro del círculo, que el tiempo era un detalle, pero que nos estábamos persiguiendo e imitando en nuestros pasos, para desenredar juntos el hilo y algún momento decirnos el uno al otro ¿cuál es tu nombre?

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